Escultura de torso masculino de Sippar

Escultura de torso masculino de Sippar


La historia secreta de los pasteles de carne machos macizos

Danny Fitzgerald y Les Demi Dieux, cortesía de BigKugels Photographic.

Esta publicación contiene desnudos.

De la misma manera que las revistas pornográficas a menudo se esconden debajo de las almohadas o se guardan bajo llave en los estantes superiores de los armarios, la historia de la fotografía de “pastel de carne” ha sido muy secreta. Los fotógrafos y modelos que crearon el trabajo macizo e hipermasculino a partir de la década de 1940 hasta la era pre-disco lo hicieron a escondidas, a menudo eludiendo las estrictas leyes de obscenidad que llevaron a algunos de ellos a prisión, los obligaron a soportar acoso y ataques. y mantuvo a casi todos escondidos en el fondo del armario.

Para Petra Mason, la editora de Pastel de ternera 100% raro totalmente natural, publicado por Rizzoli, intentar rastrear las imágenes y, más significativamente, los titulares de los derechos de autor, resultó ser un poco como caerse por la madriguera de un conejo.

"Fue un viaje increíble en términos de muchos meses de investigación para tratar de encontrar a las personas adecuadas", dijo Mason. “Mucho de esto era una historia secreta, escondida en cajas de zapatos o debajo de las camas. Los fotógrafos eran todos personajes fascinantes de diferentes formas y tamaños que fueron lo suficientemente valientes como para arriesgarse por su arte al violar la ley. Las modelos lo hacían por un par de dólares y las vieron en el gimnasio o las sacaron de las calles, por lo que no hay mucha documentación sobre ellas ".

Al final, se incluyeron aproximadamente 50 fotógrafos en el libro, algunos de los cuales son bien conocidos, incluido Bob Mizer, y varios fotógrafos que trabajaron con seudónimos vinculados a sus ubicaciones: Bruce de Los Ángeles, Douglas de Detroit y Lon. de Nueva York.

Izquierda: Lon de Nueva York. Derecha: Bruce de Los Ángeles.

Champion Studios de Walter Kundzicz, Nueva York, 1963-64

Mientras investigaba, Mason se encontró con algunos coleccionistas serios que poseían una cantidad significativa de trabajo y también habían rastreado muchos de los nombres de los modelos y fotógrafos.

“Los recolectores de pasteles de carne se toman la recolección de pasteles de carne más en serio que los recolectores de pasteles de queso”, dijo Mason. “Los hombres en general se toman el coleccionismo más en serio, parece, un hecho extraño pero cierto. Me sorprendió seriamente poder charlar con uno de los fotógrafos originales que todavía se está volviendo fuerte, Chuck Renslow, cuyas tomas de KRIS Studio creo que son realmente atractivas. Chuck es una leyenda y su colección se encuentra ahora en los Archivos y Museo de Cuero de Chicago, algo que nunca hubiera escuchado de otra manera, una fuente asombrosa de material para una historia muy secreta ".

El libro divide las imágenes en varias categorías que incluyen "Duals in the Sun", "Estudios de figuras", "Neptune’s Boys" y "Cowboys and Indians", un tanto dignos de vergüenza. Si bien una gran cantidad de bizcocho de carne a menudo se asocia con tener una sensibilidad gay, como mujer heterosexual, Mason dijo que sentía que el trabajo tiene un atractivo universal.

“Creo que una de las muchas cosas que los medios y otros lugares nos recuerdan constantemente es lo que no tenemos en común, en realidad sí. Hay una apreciación compartida por el calor general del material que es difícil de resistir para cualquiera ".

Lady Bunny, una leyenda en el mundo del drag que escribió el prólogo del libro, está de acuerdo con el atractivo universal.

Champion Studios de Walter Kundzicz, Nueva York, 1963

"Soy del sur, por lo que no era raro conocer mujeres casadas que nunca habían tenido un orgasmo", escribió Bunny por correo electrónico. “Se suponía que las mujeres no debían disfrutar demasiado del sexo, así que siempre me regocijaba cuando conocía a mujeres que pensaban en el sexo como lo hacían los hombres homosexuales, es decir, querían mucho y estaban preocupadas por el tamaño del pene. Creo que una de las razones Sexo y la ciudad fue tan popular es que fue una de las primeras representaciones de mujeres objetivando a los hombres para variar. ¡Quizás Petra se adelantó a su tiempo y había estado objetivando a los hombres durante siglos! ¡O tal vez sea solo una puta que ha encontrado una manera de mezclar negocios con placer y llamar arte obsceno! ¡Esto funciona para mi!"

Mason agregó que si bien hay ciertamente un aspecto humorístico en las imágenes, especialmente visto desde una perspectiva moderna, también hay un aspecto profundamente triste ligado a la historia de las fotografías.

"Nuestra intención es lograr un equilibrio, brindar información histórica significativa entre todos los hermosos atractivos para la vista".


Las artistas feministas cuyo trabajo necesitas conocer

En su sentido más básico, el arte feminista es el arte creado por artistas creados conscientemente a la luz de los desarrollos en la teoría del arte feminista a principios de la década de 1970.

Provocada por el ensayo de la historiadora del arte Linda Nochlin titulado ¿Por qué no ha habido grandes artistas femeninas? en 1971, investigó los factores sociales y económicos que habían impedido que las mujeres talentosas alcanzaran el mismo estatus que sus contrapartes masculinas. En reacción a esto, muchas mujeres artistas comenzaron a crear trabajos que trataban sobre la experiencia femenina y buscaban cada vez más desafiar los sistemas existentes a través del activismo.

Aquí exploramos algunos de los artistas clave durante ese tiempo y más allá, así como los artistas cuyo trabajo actuó como precursor del movimiento.

Judy Chicago es una artista estadounidense que fue una figura clave en el movimiento artístico feminista. El trabajo de Chicago a menudo incorpora las habilidades artísticas estereotipadas de las mujeres, como la costura, contrarrestadas con las habilidades masculinas estereotipadas, como la soldadura y la pirotecnia.

Creó una de las obras más icónicas de este período. Noble La cena (1979), la instalación incluyó 39 cubiertos dispuestos a lo largo de una mesa triangular para varias mujeres míticas e históricas. La pieza funcionó como una historia simbólica de la mujer en la civilización occidental.

Cindy Sherman es una fotógrafa y directora de cine estadounidense y se ha hecho más conocida por sus retratos conceptuales. A lo largo de su carrera, ha explorado la identidad y la naturaleza de la representación utilizando películas, televisión, revistas e historia del arte como inspiración. Sherman a menudo trabaja como su propio modelo y se ha capturado a sí misma en una variedad de formas y personajes que son a la vez divertidos y perturbadores, distantes e impactantes.

Trabajando desde la década de 1970, la fotógrafa a menudo juega con los estereotipos femeninos, pero Sherman nunca ha dicho abiertamente que es una artista feminista, sino que quiere que el trabajo hable por sí mismo. Una vez dijo: "El trabajo es lo que es y, con suerte, se verá como un trabajo feminista, o un trabajo asesorado por feministas ... Pero no voy a andar defendiendo tonterías teóricas sobre cosas feministas".


Movimientos de arte contemporáneo Lista cronológica de estilos y formas artísticas posmodernistas

& # 149 Para conocer las 50 mejores salas de exposiciones, consulte: Las mejores galerías de arte contemporáneo.
& # 149 Para ver los 200 mejores artistas nacidos después de 1945, consulte: Mejores artistas contemporáneos.

En este artículo enumeramos las principales escuelas y estilos de & quotArte contemporáneo& quot; que surgió a partir de finales de la década de 1960 en adelante. Debido a que el & quot arte contemporáneo & quot reemplazó & quot; arte moderno & quot, también se lo conoce como Arte posmodernista. Sin embargo, tenga en cuenta que la transición del modernismo al posmodernismo fue gradual, que tuvo lugar durante la década de los sesenta. Así, ambos estilos coexistieron entre sí durante este tiempo.

Además, tenga en cuenta que una de las diferencias más importantes entre el arte moderno y posmoderno se refiere a la degradación del "producto terminado". El objetivo de casi todos los artistas modernos, por ejemplo, era crear una obra de arte única y duradera, como una pintura, una escultura, un dibujo u otro tipo de objeto. Por el contrario, los artistas posmodernistas tienen menos interés en este tipo de producto y más interés en las ideas detrás de él. Esto ayuda a explicar el crecimiento de nuevos tipos de arte, como el arte de instalación (incluidas las instalaciones de sonido y video), el conceptualismo (una amplia categoría de 'arte de ideas'), los sucesos (tipo de arte de performance), las instalaciones de video, el mapeo de proyección, y movimientos de tierra al aire libre (construcciones ambientales), en los que o no hay un producto terminado del que hablar, o bien es transitorio y se registra solo como un "evento". De manera reveladora, durante los últimos 20 años, el Premio Turner de Arte Contemporáneo ha sido ganado por 2 pintores, 0 escultores y 10 artistas de instalación.

MOVIMIENTOS DE ARTE CONTEMPORÁNEO

Arte pop (1960 en adelante)

Arte pop era a la vez modernista y contemporáneo. Comenzó describiendo una realidad más actualizada, utilizando imágenes de estrellas de cine y otras celebridades, así como bienes de consumo masivos. Pero esto fue rápidamente eclipsado por un creciente enfoque posmoderno en el impacto y el estilo. Consulte, por ejemplo, nuestra breve guía del arte pop de los años sesenta de Andy Warhol.

Arte de palabras / Pintura de palabras (1960 en adelante)

Arte de palabras era una nueva forma de pintura o escultura que utilizaba imágenes basadas en texto. Se asoció con artistas como Robert Indiana (n. 1928), Jasper Johns (n. 1930), On Kawara (1932-2014), Barbara Kruger (n. 1945) y Christopher Wool (n. 1955).

Conceptualismo (1960 en adelante)

Arte conceptual es un movimiento de arte posmodernista fundado en el principio de que el arte es un "concepto" más que un objeto material. Es decir, la "idea" que representa una obra se considera su componente esencial, y el "producto terminado", si es que existe, se considera esencialmente como una forma de documentación más que como un artefacto. Los orígenes del conceptualismo se remontan al dadaísmo y al artista de vanguardia de principios del siglo XX, Marcel Duchamp, pero no fue hasta la década de 1960 que se convirtió en un movimiento reconocible y adquirió un nombre. El arte conceptual tiene la capacidad de entregar ideas de manera bastante poderosa, por lo que ha servido como un vehículo popular para el comentario sociopolítico. Además, al restar importancia a la necesidad de cualquier habilidad pictórica o escultórica, de hecho, de cualquier artesanía, conserva un toque subversivo al desafiar toda la tradición de una obra de arte como un objeto único y valioso. Algunos expertos señalan el hecho de que la era posmoderna exige más que la experiencia pasiva de "ver" una obra de arte, y que el conceptualismo proporciona una experiencia más interactiva. Es bastante dudoso que este valor añadido de entretenimiento ayude a una "idea" a calificar como obra de arte. Para conocer las obras de uno de los primeros artistas conceptuales de Europa, consulte también: Arte posmodernista de Yves Klein (1956-62).

Un ejemplo de este problema es la gran colección de zapatos del Museo del Holocausto en Washington, DC, que perteneció a las víctimas de los campos de concentración nazis. Se ha sugerido que tiene las características de una obra de arte conceptual, porque pasar junto a la enorme pila de zapatos nos ayuda a comprender la aterradora realidad de las cámaras de gas. De hecho lo hace, pero francamente no convierte los zapatos en una obra de arte, ni en ningún tipo de declaración artística. (Compárese con el arte del Holocausto 1933-45.) Es una declaración política o histórica. Por tanto, la dificultad para el conceptualismo es mostrar cómo se califica como arte, en oposición al entretenimiento, el teatro o el comentario político.

Entre los exponentes importantes del conceptualismo se encuentran Sol LeWitt, Joseph Beuys, Felix Gonzales-Torres, Eva Hesse, Jenny Holzer, Joseph Kosuth, Barbara Kruger, Jean Tinguely y Lawrence Weiner. Otros artistas asociados con el movimiento incluyen a Mel Bochner, Hanne Darboven, Agnes Denes, Jan Dibbets, Hans Haacke, On Kawara y Les Levine.

Rendimiento (1960 en adelante)

Emergiendo en América y Europa a principios de la década de 1960, Arte de performance es una forma de arte experimental inspirada en el arte conceptual, así como en el dadaísmo, el futurismo, la Bauhaus y (en Estados Unidos) el Black Mountain College. En general, se supone que la interpretación se caracteriza por su naturaleza "viva" (el hecho de que el artista se comunica directamente con la audiencia) y su impacto, ya sea divertido o impactante, debe ser memorable. Un buen ejemplo es la serie de máquinas autodestructivas, probablemente el ejemplo más famoso de arte cinético, creado por el artista suizo Jean Tinguely (1925-91). Aun así, la diferencia exacta entre el teatro innovador y el arte escénico es difícil de detectar. Además, su insistencia en ser etiquetada como & quot; quotart & quot; tradicionalmente un evento burgués - se sienta torpemente junto a su ética anti-establishment.

Performance ahora incluye eventos y "acontecimientos" de artistas visuales, poetas, músicos, cineastas, videoartistas, etc. A finales de la década de 1960 y 1970 también fue testigo de la aparición de & quotBody Art & quot, un tipo de Performance en la que la propia carne del artista se convierte en el lienzo y, posteriormente, & quot; actúa & quot de una manera convenientemente impactante y de interés periodístico (para más información, ver más abajo). Durante la década de 1980, el arte escénico se basó cada vez más en la tecnología (video, computadoras) para transmitir su mensaje & quotartístico & quot. Los artistas contemporáneos asociados con este género incluyen al pionero Allan Kaprow (1927-2006), Yves Klein (1928-62), Gilbert & amp George (n. 1943, 1942) y el extraordinario Joseph Beuys (1921-86), quien creó el rendimiento innovador Cómo explicarle las imágenes a una liebre muerta (1965). Otro artista innovador es el coreano-estadounidense Nam June Paik (1932-2006), quien se inició en el arte de la performance antes de trabajar con televisores y videos, y luego en instalaciones.

Movimiento Fluxus (Década de 1960)

Fluxus fue un grupo de artistas de vanguardia (su nombre significa `` fluir '' en latín) liderado por el teórico del arte nacido en Lituania George Maciunas (1931-78), que apareció por primera vez en Alemania antes de extenderse a otras capitales europeas y luego a la ciudad de Nueva York, que se convirtió en el centro de sus actividades. Sus objetivos declarados, una mezcla confusa de formas de arte & quot; revolucionarias & quot y & quot; quotanti-art & quot; continúan las tradiciones de Dada, centrándose en Happenings (conocidos como Aktions en Alemania) y varios tipos de arte callejero. Los miembros principales incluyeron al artista conceptual alemán Joseph Beuys, el conceptualista nacido en Japón Yoko Ono y el artista de performance y video alemán Wolf Vostell (n. 1932). El objetivo final de Maciunas era deshacerse de todas las bellas artes sobre la base de que era un desperdicio de recursos y poco más que una indulgencia burguesa. Los artistas de Fluxus colaboraron para combinar diferentes medios (visuales, literarios, musicales) en una serie de & quotevents & quot, que incluían instalaciones, sucesos, fotografía y cine. Los festivales Fluxus de arte contemporáneo se llevaron a cabo a lo largo de los años 60 en Ámsterdam, Copenhague, Dusseldorf, Londres, París y Nueva York. Véase también Actionism vienés, en Body Art, más abajo.

Instalación (1960 en adelante)

Arte de instalación es una nueva forma de arte que llamó la atención en los Estados Unidos durante la década de 1960, aunque la idea se remonta a las exposiciones surrealistas creadas por Marcel Duchamp y otros, cuando las obras de arte se organizaron para formar un entorno complejo y atractivo. El pintor y diseñador ruso El Lissitzky fue otro pionero cuyo 1923 & quot; Proun Room & quot en la estación de tren de Berlín fue un tipo temprano de instalación, al igual que los espacios llenos de espacio. Merzbilder construcciones de Kurt Schwitters (1887-1948). Otros ejemplos más recientes incluyen & quotSpatial Environments & quot de Lucio Fontana de los años 50, y el espectáculo & quotLe Vide & quot de Yves Klein de 1958 (The Void), que era una sala de galería vacía. Además, en la década de 1960 Groupe Recherche d'Art Visuel creó las primeras instalaciones en forma de entornos de luz cinética. Una instalación suele ocupar un espacio completo, como una habitación o un área más grande, y consta de varios componentes diferentes. El escultor estadounidense Ed Kienholz utilizó automóviles y mobiliario institucional en la década de 1960, para presentar una instalación que comentaba la muerte y los problemas sociales. Su compañero escultor George Segal, usó figuras de yeso de tamaño natural retratadas en escenarios cotidianos (como esperar un tren subterráneo) para comentar sobre lo mundano. Otros artistas de instalaciones recientes han incluido a Rebecca Horn, Bruce Nauman, Christian Boltanski, Richard Wilson y Tracey Emin. Véase también Arte de instalación de LED, una forma de arte cinético, de Tatsuo Miyajima (n. 1957).

Instalaciones de video (1960 en adelante)

En la década de 1960, los artistas comenzaron a explotar el medio del video en un intento por redefinir el arte. Varios videoartistas, por ejemplo, han desafiado la idea preconcebida de que el arte es de alto nivel, alto precio y solo apreciable por la élite de la sociedad. Otros han utilizado el video para demoler la idea de que el arte es una mercancía, un & quot; producto terminado & quot video arte una & quotexperience & quot (en lugar de algo para poseer), o una herramienta para el cambio, un medio para las ideas. El video también permite al artista revelar el proceso real de creación de arte. Por lo general, las instalaciones de video combinan video con una pista de sonido y / o música, y pueden involucrar otros dispositivos interactivos, haciendo un uso completo del entorno circundante para estimular a la audiencia. Los pioneros de la instalación de video incluyen: Nam June Paik (1932-2006) cuyos arreglos de los años 60 generalmente involucraban múltiples monitores de televisión en arreglos escultóricos, así como Andy Warhol (1928-87), Peter Campus (n. 1937), Wolf Vostell (n. 1932) ), Bill Viola (n. 1951), Gary Hill y Tony Oursler. En Gran Bretaña, los videoartistas incluyen: Laure Prouvost, Elizabeth Price, Jeremy Deller, Steve McQueen, Gillian Wearing, Douglas Gordon, Sam Taylor-Wood, David Hall y Tony Sinden, entre muchos otros.

Minimalismo (1960 en adelante)

Emergiendo en Estados Unidos en la segunda mitad de los años 60, Minimalismo / Arte minimalista es una forma refinada de arte abstracto que sucedió a la abstracción post-pictórica (un tipo de expresionismo abstracto tardío) para convertirse en un estilo influyente en todo el mundo en escultura, pintura y arquitectura. En el área de las bellas artes, el minimalismo se caracteriza por una extrema sencillez de forma y una deliberada falta de contenido expresivo. Los objetos se presentan en su forma geométrica elemental, totalmente desprovistos de emoción. Las obras minimalistas (de escultura y pintura) a menudo se componen de elementos uniformes desnudos que forman algún tipo de cuadrícula o patrón. La regularidad es casi fundamental para minimizar cualquier destello de expresionismo.

El minimalismo fue la etapa final en el desarrollo lógico del expresionismo abstracto, cuyo estilo pasó de gestual (pintura de acción) a trabajo plano (pintura de campo de color) a planos y patrones geométricos claramente definidos (pintura de borde duro) al arte minimalista. En el camino fue abandonando gradualmente todo sentimiento y emoción, hasta llegar a una forma austera e impersonal de la llamada pureza o verdad artística. Todo lo que queda es la idea intelectual de la pieza: no hay emoción. Es por eso que el minimalismo está cerca del conceptualismo: ambos se preocupan por la idea o concepto básico de la obra creada.

Entre los escultores minimalistas importantes se encuentran Carl Andre (n. 1935), Don Judd (1928-94), Sol LeWitt (1928-2007), Robert Morris (n. 1931), Richard Serra (n. 1939) y Tony Smith (1912-80). ).Los pintores minimalistas incluyen a Agnes Martin (1912-2004), Ad Reinhardt (1913-67), Ellsworth Kelly (n. 1923), Kenneth Noland (n. 1924), Robert Ryman (n. 1930) y Frank Stella (n. 1936). .

Arte fotorrealista (hiperrealismo) (Años sesenta, setenta)

Fotorrealismo fue un estilo de pintura que apareció a fines de la década de 1960, en el que los sujetos (personas o escenas urbanas) están pintados de manera muy detallada, asemejándose a fotografías. La mayoría de los profesionales trabajan directamente a partir de fotografías o imágenes de computadora digital, y el tema es bastante banal y no tiene ningún interés especial. En cambio, el enfoque real está en la precisión y los detalles logrados por el artista y su impacto en el espectador. El realismo fotográfico se inspiró en gran medida en el arte pop: los temas banales eran comunes a ambos y ciertos artistas (por ejemplo, Malcolm Morley y Mel Ramos) usaban ambos estilos. sin embargo, el fotorrealismo carece del humor caprichoso o irónico del Pop-Art, e incluso puede ser levemente perturbador. Es más, paradójicamente, su detalle microscópico e indiscriminado puede crear un efecto levemente `` irreal ''. Los miembros principales del movimiento superrealista incluyen a Richard Estes, que se especializa en escenas callejeras que contienen reflejos de vidrio complejos, y Chuck Close, que sobresale en imágenes monumentales de rostros inexpresivos. Otros pintores hiperrealistas incluyen a Robert Bechtle, Audrey Flack, Ralph Goings y John Doherty. Los escultores hiperrealistas incluyen a Duane Hanson (1925-96), John de Andrea (n. 1941), Carole Feuerman (n. 1945), Ron Mueck y Robert Gober.

Movimiento de tierras (arte terrestre o ambiental) (Años sesenta, setenta)

Arte de la tierra, que surgió en gran parte en los Estados Unidos durante la década de 1960, utiliza o interactúa con el paisaje para crear formas artísticas o & quot; eventos & quot ;, conocido por una variedad de nombres, típicamente rediseña las formas naturales o las realza con formas hechas por el hombre. materiales. Los pioneros de esta forma de arte incluyen a Robert Smithson, Richard Long y Andy Goldsworthy, así como a los intervencionistas Christo y Jeanne-Claude. Tenga en cuenta que el Land Art es bastante diferente de los monumentos hechos por el hombre como Stonehenge. Este último fue erigido por su significado ceremonial o religioso y no se considera un elemento de la tierra. Incluso los famosos retratos presidenciales del Monte Rushmore, aunque claramente son obras de arte, no califican como Land art, ya que no celebran la tierra sino las imágenes que se hacen a partir de ella. Para estilos similares, consulte Movimientos artísticos, períodos, escuelas (desde aproximadamente 100 a. C.).

Fotografía Contemporánea (1960 en adelante)

Hasta principios de la década de 1960, fotografía fue impulsado por el pictorialismo y la fotografía de retrato. Desde entonces, la fotografía documental, la fotografía de moda cada vez más compleja y el creciente género de la fotografía callejera han sido los principales motores. Los retratos contemporáneos de celebridades también son populares. Los fotógrafos contemporáneos involucrados en el fotoperiodismo incluyen a Don McCullin (n. 1935) y Steve McCurry (n. 1950), mientras que los mejores fotógrafos de moda incluyen a Helmut Newton (1920-2004), David Bailey (n. 1938), Nick Knight (n. 1958). y David LaChapelle (n. 1963). La fotografía callejera está ilustrada por Garry Winogrand (1928-1984) y Nan Goldin (n. 1953), mientras que el retrato posmodernista es ejemplificado por Diane Arbus (1923-71) y Annie Leibovitz (n. 1949).

Con el nombre de & quot arte pobre & quot por el crítico italiano Germano Celant (quien también escribió un influyente libro titulado & quot Arte Povera: Arte conceptual, actual o imposible & quot), Arte Povera era un estilo de arte anticomercial que se preocupaba principalmente por las cualidades físicas de los materiales utilizados. Este último consiste típicamente en cosas ordinarias o sin valor, como trozos de periódicos, ropa vieja, tierra, fragmentos de metal, etc., aunque en la práctica a veces se utilizan materiales bastante elaborados y costosos (!). Arte Povera fue iniciado por un grupo de artistas de vanguardia en Italia, cuyos miembros incluían: Piero Manzoni (1933-63), Mario Merz (1925-2003), Michelangelo Pistoletto (n. 1933), Pino Pascali (1935-68) , Jannis Kounellis (n. 1936), Luciano Fabro (n. 1936), Gilberto Zorio (n. 1944) y Giuseppe Penone (n. 1947). Otra figura importante fue el marchante y promotor de arte de Turín Enzo Sperone.

Soportes-Superficies (hacia 1966-72)

Supports-Surfaces fue un grupo conceptualista de jóvenes artistas franceses de izquierda que exhibieron juntos desde aproximadamente 1966 hasta 1972. (El nombre fue elegido con bastante retraso para su espectáculo & quotAnimación, Recherche, Controntation& quot en el Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris). Los miembros del grupo incluían a Andre-Pierre Aarnal, Vincent Bioules, Louis Cane, Marc Devade, Daniel Dezeuze, Noel Dolla, Toni Grand, Bernard Pages, Jean-Pierre Pincemin, Patrick Saytour, Andre Valensi y Claude Viallat. El grupo pretendía despojar al arte de sus cualidades simbólicas y románticas --para liberar al arte de la tiranía del gusto, la banalidad del expresionismo, el sentimentalismo del surrealismo tardío y la pureza del Art Concrete, como lo expresaron-- y así deconstruyeron el acto. de pintar a su propiedades físicas esenciales - la lona y las camillas (marcos). Conocido por sus exposiciones itinerantes al aire libre, el grupo empleó una variedad de materiales inusuales en sus obras, como piedras, tela encerada, cartón y cuerda, y las obras en sí mismas a menudo se doblaban, trituraban, quemaban o teñían y se exhibían en el piso o colgaban. sin marco. Publicaron numerosos tratados explicativos y carteles en un intento de explicar sus acciones, y publicaron una revista regular & quotPeinture / Cahiers Theoretiques. & quot; En general, sus obras se pueden interpretar como una variante del conceptualismo.

Un término utilizado en su sentido estricto para denotar un estilo de pintura estadounidense que surgió a fines de la década de 1960 y principios de la de 1970, en las obras de una variedad de artistas, como Philip Pearlstein, Neil Wellilver y William Bailey. Se caracteriza por obras figurativas ejecutadas en un estilo crudo y objetivo, sin las distorsiones de la interpretación cubista o expresionista. Los realistas contemporáneos rechazaron deliberadamente el arte abstracto, eligiendo en cambio representar temas con los pies en la tierra de una manera naturalista directa.

En su sentido más amplio, el término Realismo Contemporáneo abarca a todos los pintores y escultores posteriores a 1970 que se centran en el arte representacional, donde el objetivo es retratar lo "real" en lugar de lo ideal. Por lo tanto, las pinturas de género o las obras figurativas cuyos temas se representan (por ejemplo) con una luz romántica o nostálgica quedan excluidas de este género. No existe una escuela general de realismo contemporáneo como tal, y muchos artistas, incluidos los abstraccionistas, han experimentado con este enfoque más tradicional. Quizás el exponente más interesante del Realismo Contemporáneo sea el maestro figurativo Lucian Freud (1922-2011), cuyos poderosos estudios del cuerpo humano logran transmitir tanto valentía como amor. Para estilos anteriores de pintura realista, consulte Movimientos de arte moderno (1870-1970).

Posminimalismo (1971 en adelante)

Una palabra de moda utilizada por primera vez por el crítico de arte estadounidense Robert Pincus-Witten cuando describió las obras de Eva Hesse como "posminimalismo" en Artforum en 1971. Hesse, junto con otros artistas, reaccionaban contra el formalismo rígido e impersonal del arte minimalista centrándose en lo físico. y procesos creativos involucrados. Este nuevo estilo, conocido como & quotArte de proceso& quot, fue muy transitorio y utilizó materiales inestables que se condensaron, evaporaron o deterioraron sin que el artista tuviera ningún control. Se convirtió en una tendencia como resultado de dos exposiciones en 1969: "When Attitudes Become Form" en el Berne Kunsthalle y "Procedimientos / Materiales" en el Whitney Museum of American Art en Nueva York. Destacados artistas posminimalistas, así como Hesse, incluyeron al escultor estadounidense Richard Serra y al artista conceptual de origen alemán Hans Haake.

En un sentido más amplio, sin embargo, el posminimalismo (como el posimpresionismo) abarca una serie de estilos diferentes, así como tipos de pintura, escultura y otras formas de arte contemporáneo, que sucedieron al minimalismo a finales de los sesenta y setenta, y que utilizan como punto de referencia estético o conceptual desde el que desarrollarse. En términos muy simples, a medida que los artistas minimalistas comenzaron a adoptar un enfoque más conceptual de su arte y se enfocaron en transmitir una verdad única, gradualmente se cruzaron hacia el posminimalismo. De hecho, a muchos artistas conceptuales se les suele llamar posminimalistas. Si esto suena demasiado complicado, no se preocupe: ahora estamos en un territorio teórico serio, que involucra cuestiones epistemológicas y ontológicas que requieren una maestría para comprender. Baste decir que el posminimalismo (no muy diferente al posmodernismo) cambia el enfoque del arte de la forma a la imagen. La forma en que se hace y se comunica algo se vuelve tan importante como lo que se crea.

Arte feminista (de mediados a finales de la década de 1960 en adelante)

Arte feminista - arte hecho por mujeres sobre temas de mujeres - surgió a finales de la década de 1960 y exploró lo que era ser mujer Y artista en un mundo dominado por los hombres. Apareció por primera vez en Estados Unidos y Gran Bretaña, donde varios grupos de arte feminista se inspiraron en el movimiento de liberación de la mujer, antes de extenderse por Europa. En comparación con el tema elitista, formal e impersonal, perseguido por los artistas masculinos de vanguardia, el trabajo de las mujeres artistas ofrecía emoción y experiencia de la vida real. Las artistas feministas británicas y estadounidenses emplearon formas simbólicas inherentemente femeninas, elevando el estatus de los materiales y prácticas llamados "femeninos". Abordaron cuestiones fundamentales basadas en el género, como el parto, la maternidad y la seducción forzada, así como preocupaciones más amplias como el racismo y las condiciones laborales. Un estilo específico de arte femenino, el movimiento Pattern and Decoration, surgió en California durante la década de 1970, compuesto principalmente por mujeres artistas. Reaccionaron contra la severa austeridad de Minimalizm al yuxtaponer patrones idénticos o similares, y produciendo intensas fusiones de color y textura utilizando técnicas artesanales tradicionales, como tejidos, recortes de papel y patchwork. Su hermoso uso del color se inspiró en el movimiento francés fauve del París de 1900, mientras que sus motivos geométricos y florales se extrajeron del arte islámico, del Lejano Oriente, celta y persa. Entre las artistas feministas destacadas se encuentran las estadounidenses Nancy Spero (1926-2009), Eleanor Antin (n. 1935), Joan Jonas (n. 1936), Judy Chicago (n. 1939). Mary Kelly (n. 1941), Barbara Kruger (n. 1945) y Miriam Schapiro (1923-2015), la artista sueca Monica Sjoo, la artista inglesa Margaret Harrison (n. 1940), por nombrar solo un puñado. En las artes plásticas, una de las grandes escultoras feministas fue Louise Bourgeois (1911-2010).

Nueva subjetividad (Década de 1970)

& quotNouvelle Subjectivit y eacute& quot fue el título que dio el comisario e historiador del arte francés Jean Clair, a una exposición internacional en 1976 en el Mus & eacutee National d'Art Moderne en el Centro Pompidou de París. La muestra contó con obras de artistas modernos estadounidenses, británicos y europeos que rechazaron la abstracción y el conceptualismo dominantes en el arte moderno a favor de un retorno a la representación de la realidad de las cosas, aunque de una manera moderna. En sus pinturas, se preocuparon por la observación cuidadosa del mundo real.

Los exponentes de la nueva subjetividad emplearon todos los formatos de lienzo, desde monumentales hasta pequeños, y trabajaron en acrílicos, óleos y acuarelas, así como lápices de colores y pasteles. En su regreso a la figuración y su representación de la naturaleza, representaron vistas de jardines, campos, piscinas, retratos y naturalezas muertas. Por lo general, eran dibujantes hábiles y pintores con formación académica, y construían sus pinturas de acuerdo con las reglas tradicionales del Renacimiento de perspectiva lineal y arial. Entre los artistas destacados asociados con la nueva subjetividad se encuentran el artista inglés David Hockney, el artista estadounidense (activo en Inglaterra) R B Kitaj, el artista suizo Samuel Buri y los artistas franceses Olivier O Olivier, Christian Zeimert, Michel Parre y Sam Szafran.

Un término utilizado por el pintor estadounidense RB Kitaj en el catálogo de una exposición que realizó, en 1976 en la Hayward Gallery, Londres, cuando el minimalismo y el conceptualismo estaban de moda. La muestra, titulada & quot; Arcilla humana & quot, se centró exclusivamente en trabajos figurativos de dibujo y pintura, y en el folleto RB Kitaj acuñó la frase & quotEscuela de Londres& quot para referirse a los artistas individuales cuyas obras se estaban mostrando. Desde entonces, el término London School se ha utilizado para referirse al grupo de artistas asociados a la ciudad en ese momento, que continuaron practicando formas de trabajo figurativo, frente al establecimiento de vanguardia. Los principales artistas involucrados en esta Escuela de Londres incluyeron a Michael Andrews, Francis Bacon, Lucian Freud, David Hockney (aunque en realidad vivía en Estados Unidos), Howard Hodgkin, Frank Auerbach y Leon Kossoff. A medida que el arte minimalista y conceptual comenzó a desvanecerse a fines de la década de 1970, comenzó a aparecer una nueva generación de pintores y escultores figurativos, que tomaron un renovado interés en el trabajo de la escuela. (Para obtener una breve guía de los pintores modernos en Gran Bretaña, consulte: Pintura británica contemporánea).

Arte grafiti (1970 en adelante)

También conocido como & quotStreet Art & quot, & quotSpraycan Art & quot y & quotAerosol Art & quot, Arte grafiti es un estilo de pintura asociado con el hip-hop, un movimiento cultural que surgió en varias ciudades estadounidenses, especialmente en los trenes subterráneos de Nueva York, durante las décadas de 1970 y 1980. B-boys, la primera generación del hip-hop expresó las frustraciones de las minorías urbanas en su intento de crear su propia forma de arte, una no comercial que no buscaba complacer al público en general. Emplearon plantillas, rotuladores y latas de aerosol, y escribieron con pintura industrial en aerosol y acrílico sobre todo tipo de soportes: piedra, yeso, metal, madera y plástico. Sus "lonas" eran trenes subterráneos, muros en áreas urbanas y terrenos baldíos industriales, subterráneos, techos y vallas publicitarias. Durante la década de 1970, el Graffiti Art se extendió a Europa y Japón y, finalmente, pasó de la calle a la galería. (Véase la biografía de Banksy, el artista de plantillas de graffiti más famoso de Gran Bretaña.) Sin embargo, el corazón del movimiento era la ciudad de Nueva York.

En Nueva York, uno de los primeros pioneros, conocido por su etiqueta TAKI 183, era un joven de Washington Heights. Las primeras mujeres artistas del graffiti fueron Barbara 62 y Eva 62. A partir de 1971, los artistas comenzaron a adoptar estilos caligráficos característicos para distinguir su trabajo, y también comenzaron a irrumpir en las estaciones del metro para colocar su etiqueta en los lados de los trenes, un proceso llamado & quotbombardeo& quot - con el máximo efecto. El tren se convirtió así en su "galería", ya que mostró su trabajo en toda la ciudad. El tamaño y la escala de etiquetas También aumentó lo que llevó en 1972 a la producción de los llamados & quotobras maestras& quot o & quotpiezas& quot por un pulverizador de graffiti conocido como Super Kool 223. Un desarrollo adicional implicó la inclusión de diseños como lunares, cuadros y rayitas cruzadas, y pronto & quotDe arriba a abajo& quot, obras que abarcan toda la altura de un vagón de metro, empezaron a aparecer, así como escenarios y personajes de dibujos animados. Poco a poco, el mundo del arte convencional comenzó a darse cuenta. United Graffiti Artists (UGA), un grupo fundado en 1972 por Hugo Martínez, amplió su membresía para incluir a muchos de los principales artistas del graffiti, con miras a mostrar obras en lugares oficiales, como la Razor Gallery. A mediados de la década de 1970, la mayoría de los estándares creativos en la escritura de graffiti ya se habían establecido y el género comenzó a estancarse. Además, la Autoridad de Tránsito Metropolitano de la Ciudad de Nueva York comenzó una campaña doble para asegurar los depósitos y borrar el graffiti de forma continua. Como resultado, los etiquetadores abandonaron el metro y tomaron las calles, donde su arte estático recibió necesariamente mucha menos exposición. A finales de la década de 1980 y 1990, más artistas comenzaron a mostrar sus obras en galerías y alquilar estudios de arte, una práctica que ya había comenzado varios años antes con etiquetadores como Jean-Michel Basquiat, ahora uno de los mejores artistas contemporáneos del mundo, que dejó caer su firma SAMO (Same Old Shit), a favor de las oportunidades convencionales. Otros artistas de graffiti famosos incluyen a Keith Haring (1958-90), Banksy (n. 1973-4) y David Wojnarowicz (1954-92). El grafiti es una forma del movimiento más amplio & quot; Arte callejero & quot;, un estilo de arte externo creado fuera del marco de los lugares de arte tradicionales. Abarca grafitis de esténcil, carteles o calcomanías, arte emergente e instalaciones en la calle, incluidas las últimas proyecciones de video, bombardeos de hilo y esculturas Lock-On. El arte callejero a veces se conoce como & quot arte urbano & quot, & quot; arte de guerrilla & quot ;, & quot; post-graffiti & quot o & quot; neo-graffiti & quot.

Para obtener una lista de las 30 mejores exposiciones, bienales y ferias de arte posmodernista, consulte: Mejores festivales de arte contemporáneo.

Neoexpresionismo (Finales de la década de 1970 en adelante)

Uno de varios estilos de posmodernismo, Neoexpresionismo es un amplio movimiento de pintura que apareció alrededor de 1980, en respuesta al estancamiento del Minimalismo y el Arte Conceptual, cuyo intelectualismo y estilo propio & quot; pureza & quot había dominado la década de 1970 pero que ahora estaba empezando a poner de los nervios a muchos artistas. Los neoexpresionistas defendieron la práctica muy pasada de moda de la pintura de bellas artes (condenada como "muerta" por los posmodernistas) y apoyaron todo lo que los modernistas habían tratado de desacreditar: figuración, emoción, simbolismo y narrativa. Utilizan colores sensuales e incorporan temas asociados con numerosos estilos y movimientos históricos, como el Renacimiento, Manierismo, Cubismo, Fauvismo, Surrealismo, Expresionismo abstracto y Pop-Art. Como era de esperar, en Alemania, el neoexpresionismo fue fuertemente influenciado por grupos expresionistas alemanes anteriores como Der Blaue Reiter y Die Brucke.

El movimiento adoptó nuevas pinturas en Alemania de artistas como Georg Baselitz (n. 1938), Jorg Immendorf, Anselm Kiefer, AR Penk, Sigmar Polke y Gerhard Richter, así como obras de & quotRealistas feos& quot como Markus Lupertz. También cubrió el Neue Wilden (New Wild Ones, una referencia al estilo del fauvismo de la década de 1900 o "bestias salvajes") cuyos miembros incluían a Rainer Fetting. A raíz de exposiciones internacionales como & quot A New Spirit in Painting & quot (London Royal Academy, 1981) y & quot Zeitgeist & quot (Berlín, 1982), el término Neoexpresionismo comenzó a aplicarse a otros grupos, como Figuración Libre en Francia, Transavanguardia en Italia, el & quotPintores de nueva imagen& quot y el llamado & quotMalos pintores. & quot; En Estados Unidos, el estilo, aunque popular, no ha producido el mismo calibre de trabajo, con la excepción de artistas como Philip Guston (1913-80), Julian Schnabel, David Salle y otros.En Gran Bretaña, el estilo está ejemplificado por los desnudos rubenescos de Jenny Saville, que desafían las nociones de convencionalidad en el tamaño y la forma del cuerpo humano. El auge del movimiento llevó a la rehabilitación de varios artistas que trabajaban en una línea similar. Estos incluyeron a los estadounidenses Louise Bourgeois, Leon Golub y Cy Twombly y al artista británico Lucian Freud, todos cuyas obras han sido etiquetadas como neoexpresionistas. La etiqueta también se ha aplicado a la escultura. Obras de escultores como el estadounidense Charles Simonds, los artistas británicos Anish Kapoor y Rachel Whiteread, la checa Magdalena Jetelova, la alemana Isa Genzken y la escultora polaca Magdalena Abakanowitz, todas contienen rasgos expresionistas. En arquitectura, el término expresionista se ha aplicado a edificios como la Ópera de Sydney y el Museo Guggenheim de Bilbao. Para obtener más información, consulte: Historia de la pintura expresionista (1880-1930) y el movimiento expresionista (1880 en adelante).

Transavanguardia (Trans-avant-garde) (1979 en adelante)

El crítico de arte italiano Achille Bonito Oliva utilizó el término & quotTransavanguardia & quot (más allá de las vanguardias) en la revista Flash Art en octubre de 1979, al referirse al neoexpresionismo internacional. Pero desde entonces se ha utilizado solo para describir el trabajo de artistas italianos que trabajaron en el estilo durante las décadas de 1980 y 1990. Entre ellos se encuentran Sandro Chia, Francesco Clemente, Enzo Cucchi y Mimmo Paladino. Los artistas de la Transavantgarde emplearon un estilo de pintura libre y figurativo, con referencias nostálgicas al Renacimiento y su iconografía. Pintaron obras a gran escala al óleo, incluidos retratos realistas e imaginarios, pinturas de historia religiosa y alegórica, y se inspiraron también en el simbolismo y en la paleta de colores del fauvismo. Chia incorporó el manierismo italiano, el cubismo, el futurismo y el fauvismo en sus obras narrativas religiosas Paladino compuso grandes cuadros mitológicos con motivos geométricos y figurativos Cucchi produjo escenas románticas de gigantes y montañas, inspiradas en el surrealismo, e incorporó el uso de elementos adicionales, hechos de metal. o arcilla, en sus obras pintadas Clemente se destacó por sus autorretratos y obras figurativas íntimas. Su inclusión en importantes exposiciones en la Kuntshalle de Basilea y la Bienal de Venecia en 1980, y en la Real Academia de Londres en 1981, dio lugar a exposiciones individuales tanto en Europa como en América, así como a un rápido aumento de la importancia de la escuela.

Britart: jóvenes artistas británicos (Década de 1980)

los Jóvenes artistas británicos (YBA) aparecieron por primera vez en escena en la década de 1980 y fueron reconocidos oficialmente en 1997 en la & quotSensación& quot exposición. Debido en gran parte a los estilos de principios del siglo XX, como el dadaísmo y el surrealismo, su trabajo a menudo se llama & quotBritart & quot. . Sus miembros obtuvieron una considerable cobertura mediática por sus impactantes obras de arte y dominaron el arte británico durante la década de 1990. Los miembros famosos incluyen a Damien Hirst (conocido por La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien que vive, un tiburón tigre muerto en escabeche en formaldehído, y últimamente por su cráneo tachonado de diamantes Por el amor de Dios) y Tracey Emin (conocida por Mi cama, una cama de matrimonio despeinada con algunos detritos muy personales).

Podría decirse que muchos YBA nunca hubieran tenido éxito si no fuera por el patrocinio y la promoción de sus obras por parte del coleccionista de arte contemporáneo Charles Saatchi, quien conoció a Damien Hirst en la exposición de estudiantes de Goldsmiths College 1988 & quotFreeze & quot, que exhibió 16 YBA. Saatchi compró muchas de las obras expuestas. Dos años después, Hirst comisarió dos programas de YBA más influyentes, & quotModern Medicine & quot y & quotGambler & quot. Saatchi asistió a ambas exposiciones y compró más obras. En 1992, Saatchi no solo era el patrocinador principal de Hirst, sino que también era el patrocinador más importante de otros jóvenes artistas británicos, un segundo grupo de los cuales había aparecido a través de programas como & quotNew Contemporaries & quot & quot; New British Summertime & quot y & quotMinky Manky & quot, y artistas incluidos. como Tracey Emin. Mientras tanto, la recesión económica en Gran Bretaña empeoró, provocando el colapso del mercado del arte contemporáneo en Londres. En respuesta, Saatchi organizó una serie de exposiciones en su Galería Saatchi, promocionando el nombre & quotYoung British Art & quot, a partir del cual el movimiento adquirió retrospectivamente su identidad. El primero presentó el trabajo de Sarah Lucas, Mark Wallinger, Rachel Whiteread y, por supuesto, Damien Hirst, cuyo tiburón muerto se convirtió rápidamente en el símbolo icónico de Britart en todo el mundo.

En 1993, la YBA Rachel Whiteread ganó el premio Turner, seguida en 1995 por Damien Hirst. En 1997, Young British Artists se generalizó cuando la London Royal Academy, junto con Saatchi, organizó & quotSensation & quot, una exposición definitiva de arte de YBA, en medio de una gran controversia. Luego viajó al Museo de Arte de Brooklyn en Nueva York. En 1999, el trabajo de Tracey Emin & quotMy Bed & quot fue nominado para el Premio Turner, mientras que en 2000, las exhibiciones de YBA se incluyeron en la nueva Tate Modern, todo lo cual confirmó la reputación establecida del grupo.

Algunos YBA prominentes incluyen: James Rielly (retratos), Keith Coventry (pintor abstracto), Simon Callery (vistas urbanas), Martin Maloney (pintor expresionista), Gary Hume (Minimalista), Richard Patterson (super-abstracto), Fiona Rae (resumen , Pop-art), Marcus Harvey (obras figurativas expresionistas), Ian Davenport (abstracción geométrica), Glenn Brown (escultor y pintura expresionista) y Jenny Saville (cuerpos femeninos de estilo expresionista), varios de los cuales son ganadores del Premio Turner (1984 -2014).

Diseño deconstructivista (1985-2010)

Deconstructivismo es una forma & quotanti-geométrica & quot de la arquitectura del siglo XX que apareció por primera vez a finales de la década de 1980, en California y Europa. Facilitada en gran medida por el software de computadora desarrollado por la industria aeroespacial, la arquitectura deconstructivista adopta un enfoque de diseño no rectilíneo que a menudo distorsiona el exterior de una estructura. El deconstructivismo fue iniciado por el canadiense-estadounidense Frank O. Gehry (n. 1929), uno de los arquitectos estadounidenses más innovadores de la era posmoderna. Otros practicantes famosos han incluido a Peter Eisenman, la firma Coop Himmelb (l) au, Rem Koolhaas y Daniel Libeskind. Los edificios deconstructivistas más conocidos incluyen: el Museo Guggenheim (Bilbao), el Edificio Nationale Nederlanden (Praga) y The Experience Music Project (Seattle), todos diseñados por Frank Gehry UFA-Palast (Dresden), diseñado por Coop Himmelb (l) au y Seattle Library diseñada por Rem Koolhaas. Ver también: Design Art c.1850-1970.

A finales de la década de 1960 apareció un tipo de arte de performance, llamado Arte Corporal, en el que el propio cuerpo del artista se convierte en la "lona", por así decirlo, de una obra de arte pasiva, o que luego "actúa" de forma impactante. Las formas más típicas de arte corporal pasivo son pintura corporal, tatuajes, nail art, piercings, pintacaritas, marcas o implantes. Los tipos de arte corporal más activos relacionados con la actuación, en los que los artistas abusan de su propio cuerpo como una forma de transmitir su mensaje particular y quotartístico, pueden incluir mutilación, consumo de drogas, actividad física extrema o resistencia al dolor extremo. Un grupo de actuación controvertido fue el Vienna Action Group, fundado en 1965 por Gunter Brus, Otto Muhl, Herman Nitsch y Rudolf Schwartzkogler. Otros artistas corporales famosos incluyen a Michel Journiac (1935-1995), Ketty La Rocca (1938-76), Vito Acconci (n. 1940), Ulay (Frank Uwe Laysiepen) (n. 1943) y la extraordinaria artista serbia Marina Abramovic (n. .1946).

Una destacada pintora corporal es la neozelandesa Joanne Gair (n. 1958). Celebrada por su pintura corporal trampantojo y su arte de maquillaje, es mejor conocida por uno de sus desnudos artísticos femeninos, titulado "Traje de cumpleaños de Demi Moore", que apareció en la portada de Feria de la vanidad revista en agosto de 1992. Fue fotografiada por la fotógrafa contemporánea Annie Leibovitz (n. 1949).

Realismo cínico chino (Década de 1990)

Realismo cínico - término acuñado por primera vez por el muy influyente crítico de arte y curador Li Xianting (n. 1949) como un juego deliberado sobre el estilo oficialmente sancionado del realismo socialista - describe un estilo de pintura adoptado por varios artistas de Beijing en el período posterior a 1989 tristeza tras la represión de la manifestación en la Plaza de Tiananmen. Su crítica irónica, a veces muy satírica, de la sociedad contemporánea en China, impresionó mucho a los coleccionistas de arte occidentales, aunque fue y es vista con ambivalencia por los críticos de arte chinos, que se sienten incómodos con su fama en Occidente. Los artistas asociados con el realismo cínico incluyen: Yue Minjun (n. 1962), Fang Lijun (n. 1963) y Zhang Xiaogang (n. 1958), todos los cuales han vendido pinturas por más de $ 1 millón. El movimiento está relacionado con el "pop político", una forma de arte pop chino de finales de la década de 1980.

Arte neo-pop (finales de la década de 1980 en adelante)

Los términos "Neo-Pop" o "Post-Pop" denotan el resurgimiento del interés estadounidense por los temas y métodos del movimiento Pop-Art de los años cincuenta y sesenta. En particular, se refiere al trabajo de artistas como Ashley Bickerton, Jeff Koons, Alan McCollum y Haim Steinbach. Utilizando objetos reconocibles, imágenes de celebridades (por ejemplo, Michael Jackson, Madonna, Britney Spears), así como iconos y símbolos de la cultura popular de las décadas de 1980 y 1990, esta forma actualizada de Pop-Art también se inspiró en Dada (en su uso de readymades y objetos encontrados), así como el arte conceptual moderno. Ejemplos clásicos de arte neo-pop son & quotRat-King & quot (1993), una escultura de Katharina Fritsch, y la escultura de Jeff Koons de 1988 & quotMichael Jackson and Bubbles & quot. Al igual que su estilo original, Neo-Pop se burló de las estrellas famosas y cuestionó abiertamente algunas de las suposiciones más preciadas de la sociedad. El propio Koons alcanzó una notoriedad considerable por su elevación del kitsch al alto arte. Su & ​​quotBalloon Dog & quot (1994-2000) es una escultura de acero rojo brillante (10 pies de alto) cuya forma monumental detallada contrasta absurdamente con la naturaleza trivial de su tema. Otros artistas famosos del neo-pop fueron los estadounidenses Jenny Holzer, Cady Noland y Daniel Edwards, los jóvenes artistas británicos Damien Hirst, Gary Hume y Gavin Turk, así como Michael Craig-Martin, Julian Opie y Lisa Milroy, los rusos Vitali Komar y Alexander Melamid y el artista belga. Leo Coper.

NOTA: Una de las cosas confusas de Neo-Pop es el hecho de que varios creadores del arte pop original de los años 60 y 70 todavía estaban creando obras interesantes en los años 90. El mejor ejemplo es el escultor Claes Oldenburg (n. 1929) cuyas esculturas pop de tamaño gigante incluyen Sello gratis (1985-91, Willard Park, Cleveland) y corazón de manzana (1992, Museo de Israel, Jerusalén).

Stuckismo (1999 en adelante)

Un controvertido grupo de arte británico, co-fundado en 1999 por Charles Thomson y Billy Childish junto con otros once artistas. El nombre proviene de un insulto a Childish pronunciado por la artista británica Tracey Emin, quien le advirtió que su arte estaba "atascado". Al rechazar la naturaleza estéril del arte conceptual, así como la actuación y la instalación de YBA como Emin, que afirman que carece esencialmente de valor artístico, los artistas de Stuckist favorecen un retorno a cualidades más pictóricas como lo ejemplifica la pintura figurativa y otras artes representativas. El grupo llevó a cabo numerosas exposiciones en Gran Bretaña a principios de la década de 2000, entre las que se incluyen "The First Art Show of the New Millennium" (1 de enero de 2000) y "The Resignation of Sir Nicholas Serota" (marzo de 2000), junto con varias exposiciones anuales tituladas "The Real Turner Prize Show". , así como una serie de otros eventos. El grupo también en París, Hamburgo, Colonia, Leipzig, Nueva Jersey, New Haven USA y Melbourne Australia. Stuckism también apareció en dos libros recientes: & quotStyles, Schools and Movements: an Encyclopaedic Guide to Modern Art & quot; de Amy Dempsey y & quotThe Tastemakers: UK Art Now & quot; de Rosie Millard. También se abrió una galería Stuckist en el centro de Londres. Los miembros del grupo Stuckist incluían, entre otros, a Charles Thomson, Billy Childish, Bill Lewis, Philip Absolon, Sanchia Lewis, Sheila Clark, Ella Guru y Joe Machine.

Nueva escuela de Leipzig (2000 en adelante)

Llegando a la atención del público en los primeros años del nuevo Milenio, la Nueva Escuela de Leipzig (en alemán, & quotNeue Leipziger Schule& quot), también llamado & quotArtistas jóvenes alemanes& quot (YGAs), es un movimiento relajado de pintores y escultores que recibieron su formación en el Hochschule f & uumlr Grafik und Buchkunst (Academia de Artes Visuales) en Leipzig, Alemania Oriental, donde se aisló en gran medida de las tendencias del arte moderno en Occidente. Los métodos de enseñanza eran uniformemente tradicionales, centrándose en los fundamentos de las bellas artes tradicionales, con un gran énfasis en el dibujo, el dibujo de figuras, el dibujo natural, el uso de cuadrículas, la teoría del color y las leyes de la perspectiva. Después de la reunificación en 1989, la escuela comenzó a enseñar a estudiantes de toda Alemania y sus graduados buscaron oportunidades para vender sus obras en Occidente. El primer artista exitoso que surgió fue Neo Rauch, a quien se le ofreció una exposición individual en la Galería David Zwirner en Nueva York en 2000. Su éxito ahora ha abierto las puertas a otros artistas de Leipzig igualmente talentosos, cuyas obras se exhiben en Europa y los Estados Unidos. Estados. Su estilo es típicamente figurativo con un fuerte énfasis en la narrativa y se caracteriza por colores apagados.

El realismo clásico y el movimiento de taller posmoderno
La Nueva Escuela de Leipzig es uno de varios centros contemporáneos de artesanía tradicional. En los Estados Unidos, la pintura tradicional de bellas artes fue revitalizada en la década de 1980 por el & quotClassical Realism & quot, un movimiento contemporáneo fundado por Richard Lack (1928 & # 1502009), un ex alumno del artista de Boston R. H. Ives Gammell (1893 & # 1501981) a principios de la década de 1950. En 1967, fundó Falta de taller, un taller de formación inspirado en el ateliers del París del siglo XIX.

Arte de proyección (Siglo 21)

El arte de la proyección, también conocido como mapeo de proyección, o mapeo de video, o realidad aumentada espacial, es el colmo del arte posmodernista. Al utilizar la tecnología de proyección computarizada, solo necesita una superficie (como un edificio, la fachada de una iglesia, un árbol, etc.) sobre la cual proyectar el producto terminado. Cualquier imagen se puede mapear en la superficie receptora y los efectos pueden ser espectaculares: literalmente puede transformar un espacio exterior o interior, mientras que al mismo tiempo se cuenta una historia y se crea un festín óptico. Los artistas de proyección famosos incluyen a Paolo Buroni, Clement Briend, Ross Ashton, Jennifer Steinkamp, ​​Andy McKeown y Felice Varini, por nombrar solo algunos.

Arte De Computadora (Siglo 21)

Se remonta a la máquina de dibujo Henry, diseñada por Desmond Paul Henry en 1960, el término & quotArte de la computadora& quot denota cualquier arte en el que las computadoras juegan un papel importante. Esta amplia definición también abarca formas de arte más convencionales que utilizan computadoras, como: animación controlada por computadora o arte cinético, o pintura generada por computadora, así como aquellas formas que se basan en software de computadora, como la arquitectura deconstructivista. El arte por computadora también puede denominarse & quot; arte digital & quot ;, & quot; arte de Internet & quot ;, & quot; Arte de software & quot; o & quot; Gráficos de computadora & quot. Los pioneros de este tipo de arte incluyen a Harold Cohen, Ronald Davis, George Grie, Jean-Pierre Hebert, Bela Julesz, Olga Kisseleva, John Lansdown, Maughan Mason, Manfred Mohr y Joseph Nechvatal. Los artistas digitales posteriores incluyeron: Charles Csuri, Leslie Mezei, Frieder Nake, Georg Nees, A. Michael Noll, Nam June Paik y John Whitney. Otros importantes pioneros de la investigación fueron: el profesor Harold Cohen, UCSD y Ken Goldberg de UC Berkeley. Las primeras exhibiciones de arte por computadora incluyeron: & quotGenerative Computergrafik & quot (1965) en la Technische Hochschule en Stuttgart, Alemania & quotComputer-Generated Pictures & quot (1965) en la Howard Wise Gallery de Nueva York & quotComputer Imagery & quot (1965) en Galerie Wendelin Niedlich, en Stuttgart, Alemania & quotCybernetic Serendipity & quot (1968) en el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres. En el siglo XXI, el arte por ordenador se ha convertido en el último escenario del arte contemporáneo, una especie de posmodernismo definitivo. De hecho, el arte generado por computadora es altamente revolucionario, sobre todo porque tiene la capacidad (a medida que crece la inteligencia artificial) de lograr una independencia artística completa. ¡Mira este espacio!

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& # 149 Para artistas y obras de arte más contemporáneos, consulte: Página de inicio.
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Tres siglos después de su decapitación, surge una barba negra más amable y gentil

Desde que su cabeza fue separada de su cuerpo hace 300 años este mes, Edward Teach (o Thache), también conocido como el pirata Barbanegra, ha servido como el arquetipo de los pícaros sedientos de sangre que una vez vagaron por las aguas costeras del Caribe y el Atlántico.

Solo en los últimos años, genealogistas, historiadores y arqueólogos, gracias a una combinación de trabajo duro y buena suerte, han descubierto pistas sorprendentes que revelan al hombre detrás de la leyenda, una que el propio Barbanegra ayudó a generar. En su época, los comerciantes susurraban su nombre asustados. Circulaban informes de un hombre grande con ojos & # 8220 feroces y salvajes & # 8221 que llevaba un par de tres pistolas en una funda en el pecho y una gorra de piel alta en la cabeza. Los fósforos encendidos hicieron que su lujosa barba humeara & # 8220 como un meteoro espantoso & # 8221.

Este pirata, según un relato británico escrito media docena de años después de su muerte, & # 8220 asustó a Estados Unidos más que cualquier cometa que haya aparecido allí [durante] mucho tiempo & # 8221. Pero Blackbeard desapareció abruptamente cuando una expedición naval británica personalmente financiado por el gobernador de Virginia, Alexander Spotswood, le tendió una emboscada a él ya la mayoría de sus hombres en una sangrienta batalla frente a la isla de Ocracoke el 22 de noviembre de 1718. La cabeza de Blackbeard estaba atascada en un pilote frente a Hampton, Virginia, como advertencia a otros infractores de la ley.

Sin embargo, el temible bucanero nunca asustó a los productores de Hollywood. Barbanegra ganó nueva notoriedad a mediados del siglo XX, cuando la película de 1952 Barbanegra el pirata demostró ser popular. Siguieron media docena de películas centradas en sus hazañas, y emergió como el pirata cinematográfico por excelencia. En 2006, obtuvo su propia miniserie que detalla su búsqueda del tesoro del Capitán Kidd. Incluso tuvo un encuentro con Jack Sparrow en el 2011. Piratas del Caribe: En Mareas Misteriosas. Estas representaciones embellecieron aún más una leyenda que hace mucho tiempo sobrepasó la verdad histórica. & # 8220La verdadera historia de Blackbeard no se ha contado durante siglos & # 8221, dice Baylus Brooks, un historiador y genealogista marítimo con sede en Florida.

Incluso los detalles biográficos más básicos sobre Barbanegra se han disputado acaloradamente. Nadie sabe el año de su nacimiento o incluso su ubicación, algunos afirman que Bristol, en el oeste de Inglaterra, otros señalan a Jamaica. Otros insisten en que era de Carolina del Norte o Filadelfia. Su vida temprana fue un completo misterio. Pero pocos habían intentado rastrear el árbol genealógico de Barbanegra.

En una perezosa mañana de verano de 2014, Brooks se preguntó si podría haber registros de Teaches o Thaches en Jamaica, uno de los lugares que se decía que el pirata consideraba su hogar. Luego recordó su suscripción a Ancestry.com y comenzó su investigación allí. & # 8220 No esperaba nada, pero conseguí un éxito, & # 8221, dice. Era el registro bautismal de Cox Thache, un hijo de Edward y Lucretia Theach (Thache y Theach eran variantes comunes de Teach), en el asentamiento jamaicano de Spanish Town en 1700. silla favorita, & # 8221 Brooks recuerda.

Brooks sabía que un visitante inglés a Jamaica en 1739 hizo referencia a conocer a miembros de la familia de Blackbeard que residían en Spanish Town, y se decía que su madre en ese momento aún vivía. & # 8220Mi vida había cambiado & # 8221, dijo Brooks. Desde entonces, ha estado siguiendo el rastro del árbol genealógico del pirata. Con la ayuda de la investigadora jamaicana Dianne Golding Frankson, descubrió que Edward Thache, quien Brooks cree que era el padre de Blackbeard, era un capitán y un hombre de estatus que se volvió a casar dos veces. Lucretia fue su última esposa.

El verdadero tesoro que encontró Brooks, sin embargo, fue un documento amarillento de 1706 en un estante en los archivos parroquiales recuperados por Frankson. Escrito a bordo del barco de la Royal Navy de 60 cañones. Windsor mientras estaba anclado en el puerto de Jamaica & # 8217s Port Royal, el autor era Edward Thache & # 8217s hijo, que llevaba el mismo nombre. En este hecho, Thache entrega la propiedad de su difunto padre a su madrastra, Lucretia, por el amor y el afecto que tengo y tengo por mi hermano y hermana Thomas Theache y Rachel Theache y sus medios hermanos.

Si Brooks tiene razón, entonces Barbanegra se unió a la Royal Navy y entregó magnánimamente la propiedad de su padre, que como hijo mayor heredó por ley, a su familia jamaicana. Revisando el Windsor cuadernos de pesca, descubrió a un Edward Thache que había llegado a Inglaterra a bordo de un barco mercante de Barbados. El 12 de abril de 1706, el joven se unió a la tripulación mientras el barco estaba anclado frente a Inglaterra y la Isla de Wight cerca de Portsmouth.

En el relato de Brooks, la familia de Barbanegra y # 8217 abandonó Bristol mientras el pirata aún era joven para buscar fortuna en la rica isla de Jamaica, donde el azúcar se conocía como oro blanco. Poseían africanos esclavizados y parecen haber tenido un alto estatus social. Por qué el joven Edward, probablemente de unos 20 años, dejaría su hogar para unirse a un barco mercante y luego la Royal Navy no está claro, pero puede haber sido un paso natural para lograr el avance y la experiencia náutica.

Este histórico Barbanegra es muy diferente del loco loco o figura del mito de Robin Hood. Brooks & # 8217 Thache es un hombre educado de gracia social, alfabetizado y capaz de utilizar equipos de navegación complejos. Este trasfondo explicaría por qué, poco antes de su muerte, se llevó tan bien con el gobernador de Carolina del Norte, Charles Eden, y otros miembros destacados de la colonia. El pirata incluso podría haber estado molesto por la desaparición de la Casa de Stuart que puso a George I, un hablante de alemán, en el trono inglés, tal vez la razón por la que cambió el nombre de un barco francés robado a La reina Ana y la venganza n. ° 8217, después del último monarca Estuardo.

Otros historiadores han señalado recientemente que a pesar de la terrible reputación de Barbanegra, no existe evidencia de que haya matado a alguien antes de su batalla final en Ocracoke, cerca de Cabo Hatteras, cuando luchaba por su vida. & # 8220 Probablemente cultivó esa imagen asesina & # 8221, dice Charles Ewen, arqueólogo de la Universidad de Carolina del Este. & # 8220 Cuidar a las personas era una mejor opción que dañar lo que estás tratando de robar. & # 8221

Brooks admite que no puede probar definitivamente que su Thache es nuestro Blackbeard, pero otros estudiosos encuentran convincente el caso de Brooks. & # 8220 Tiene sentido y parece creíble, & # 8221 dice Ewen. Algunos son más cautelosos. & # 8220 Hay algo de validez, & # 8221 agrega el historiador Angus Konstam, & # 8220, pero aún no está ligado. & # 8221

Lo que llevó a Blackbeard a la piratería una década después de unirse a la Royal Navy, sin embargo, no es motivo de controversia. En 1715, una flota de barcos españoles partió de La Habana, Cuba, hacia España llena de tesoros, incluidas grandes cantidades de plata. Un huracán temprano destrozó los barcos en la costa atlántica de Florida y # 8217, ahogando a más de mil marineros. Piratas ingleses, corsarios y otros, especialmente jamaicanos, descendieron a la zona para saquear los barcos, lo que provocó lo que el historiador de la Universidad de Trent Arne Bialuschewski llama & # 8220 una fiebre del oro & # 8221.

Barbanegra aparece por primera vez en los registros como pirata en este momento.

Su carrera, como la de muchos de sus colegas, duró poco, dos años después de su muerte. & # 8220La gente tiene esta noción romántica de la piratería, pero no era un estilo de vida cómodo & # 8221, dice Kimberly Kenyon, directora de campo para la excavación del La reina Ana y la venganza n. ° 8217, que encalló en las afueras de Beaufort, Carolina del Norte, y fue abandonado poco antes de la muerte de Barbanegra.

El equipo de Kenyon & # 8217 ha transportado más de 400.000 artefactos a la superficie, desde dos docenas de enormes cañones hasta un fragmento de una página de un libro de viajes de 1712 & # 8212Blackbeard era conocido por saquear libros y productos básicos. Es posible que el pirata también sintiera afición por la buena comida, ya que los registros muestran que se quedó con el cocinero francés del barco. El equipo arqueológico también ha encontrado restos de jabalíes, ciervos y pavos, una señal de que la tripulación cazaba carne fresca. Y el equipo solo ha excavado la mitad del naufragio y el único naufragio pirata para ser estudiado científicamente.

Pero si Barbanegra se resistía a utilizar medios violentos, ciertamente estaba dispuesto a hacerlo. El barco estaba fuertemente armado con 250.000 trozos de perdigones de plomo, 400 balas de cañón, docenas de granadas y muchos mosquetes, así como un total de 40 cañones ingleses y suecos. Sin embargo, la enfermedad probablemente representó una amenaza mayor que la Royal Navy, como lo demuestra la jeringa uretral encontrada por arqueólogos que todavía tiene rastros de mercurio, un tratamiento popular en ese momento para la sífilis.

Los recientes hallazgos arqueológicos junto con la investigación de Brooks & # 8217 pueden hacer que Blackbeard & # 8220 sea aún más enigmático & # 8221, dice Kenyon. Ya no es el villano de cartón del pasado, pero su personalidad y motivos aún no están claros. & # 8220 Sigue siendo tan esquivo. Hay tantas facetas de esta persona. Eso es lo que lo hace fascinante.

Nota del editor, 20 de noviembre de 2018: esta historia se ha corregido para indicar que Barbanegra se unió a su tripulación cerca de Portsmouth, no de Plymouth.


Créditos

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Kushlan, JA, MJ Steinkamp, ​​KC Parsons, J. Capp, MA Cruz, M. Coulter, I. Davidson, L. Dickson, N. Edelson, R. Elliott, RM Erwin, S. Hatch, S. Kress, R. Milko, S. Miller, K. Mills, R. Paul, R. Phillips, JE Saliva, W. Sydeman, J. Trapp, J. Wheeler y K. Wohl (2002). Conservación de aves acuáticas para las Américas: El plan de conservación de aves acuáticas de América del Norte, versión 1. Washington, DC, EE. UU.

Lutmerding, J. A. y A. S. Love. (2019). Registros de longevidad de aves norteamericanas. Versión 1019 Patuxent Wildlife Research Center, Bird Banding Laboratory 2019.

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Sibley, D. A. (2014). The Sibley Guide to Birds, segunda edición. Alfred A. Knopf, Nueva York, NY, EE. UU.


Los cuatro arquetipos del masculino maduro: Introducción

El propósito del arte de la hombría es ayudar a los hombres a convertirse en mejores hombres. Con ese fin, a menudo exploramos algunos de los problemas exclusivos de los hombres modernos y ofrecemos sugerencias sobre las acciones que pueden tomar para superar esos problemas. Un problema que discutimos regularmente en el sitio es el del malestar masculino moderno. Tal vez lo haya experimentado: se siente inquieto y sin un sentido de propósito. Te falta confianza en ti mismo como hombre. Puede que tengas 20, 30 o 40 años, pero no sientes que has alcanzado la edad adulta.

Hace unas semanas, hicimos una serie llamada & # 8220 Los cinco interruptores de la hombría. & # 8221 En ella planteamos el caso de que dentro de cada hombre hay & # 8220 interruptores & # 8221 psicológicos que deben encenderse si un hombre desea activar su energía masculina primordial única. Los interruptores son la forma en que enciendes al Hombre Salvaje dentro de ti y superas los sentimientos de indolencia y malestar masculino que muchos hombres experimentan en estos días.

Otra forma de abordar la cura del malestar masculino moderno proviene del libro Rey, guerrero, mago, amante: redescubriendo los arquetipos del masculino maduro, por el psicólogo junguiano Robert Moore y el mitólogo Douglas Gillette. Moore sostiene que la masculinidad se compone de cuatro energías masculinas arquetípicas que sirven para diferentes propósitos. Todos los hombres, ya sea que hayan nacido en los Estados Unidos o en África, nacen con estas energías arquetípicas. Los autores argumentan que para convertirse en un hombre completo, un hombre debe trabajar para desarrollar los cuatro arquetipos. El resultado de esforzarse por llegar a ser completo es un sentimiento de confianza y propósito varoniles.

Rey, Guerrero, Mago, Amante se publicó originalmente en 1990 y ha tenido una gran influencia en la masculinidad en Estados Unidos. Junto con el libro de Robert Bly & # 8217, Iron John: un libro sobre hombres, puso en marcha el movimiento de los hombres mitopoéticos de principios de la década de 1990. Durante este tiempo, muchos hombres en Estados Unidos comenzaron a asistir a grupos de hombres y retiros de fin de semana en los que participaban en ritos de iniciación y discutían mitos antiguos para obtener conocimientos personales sobre lo que significa ser un hombre. Todavía puedes ver la influencia de Rey, Guerrero, Mago, Amante en libros como Salvaje de corazón o retiros de fin de semana para hombres como The ManKind Project.

Algunas de las ideas en KWML son del tipo New-Agey, sensible con cola de caballo, sentados en círculos de tambores en el tipo de bosque. Personalmente, ese tipo de enfoque no me atrae como hombre. Conozco a muchos hombres que obtienen mucho de ese tipo de cosas. A cada uno lo suyo. No obstante, todavía siento que me beneficié mucho de leer el libro y poner en práctica algunas de las ideas de Moore y Gillette.

Durante los próximos meses, vamos a profundizar en los cuatro arquetipos masculinos en KWML. Exploraremos qué son y cómo puede acceder a ellos en su viaje para convertirse en un mejor hombre.

Breve introducción a la psicología junguiana

Como gran parte de la literatura del movimiento de los hombres mitopoéticos, KWML se basa en la psicología de Carl Jung, particularmente en su idea de los arquetipos psicológicos. Para comprender los cuatro arquetipos de masculinidad, es útil comprender un poco sobre la psicología de Jung. Podría dedicar una publicación completa a la psicología de Jung, pero lo mantendré breve para nuestros propósitos.

Carl Jung fue uno de los primeros y más influyentes psicólogos modernos. ¿Alguna vez ha realizado una de esas pruebas de indicadores de tipo Myers-Briggs? Aquellos se inspiraron en la idea de Jung de personalidades extrovertidas e introvertidas. ¿Alguna vez has escuchado a alguien hablar sobre el & # 8220 inconsciente colectivo? & # 8221 Eso & # 8217s Jung también.

De 1907 a 1913, Jung trabajó de cerca y estudió con el padre de la psicología moderna, Sigmund Freud. Si bien los dos compartían muchas de las mismas ideas sobre la mente humana, tenían sus diferencias. Jung estaba de acuerdo con la teoría de Freud sobre la mente inconsciente, pero pensaba que la visión de Freud era demasiado negativa e incompleta. Freud se centró en el inconsciente como el lugar en el que las personas albergaban y reprimían emociones negativas y pensamientos desviados. Jung estuvo de acuerdo en que las emociones negativas estaban reprimidas en el inconsciente, pero también sintió que las experiencias positivas, los pensamientos y las emociones también podían mantenerse en el inconsciente.

Jung también se apartó de la teoría del inconsciente de Freud al argumentar que había una segunda mente inconsciente, aún más profunda, que existía en todos los seres humanos. Jung llamó al primer nivel del inconsciente (el que Freud también afirmó) el & # 8220personal inconsciente & # 8221. El inconsciente personal fue creado por la experiencia personal.

El segundo nivel de la mente inconsciente que Jung llamó & # 8220 inconsciente colectivo & # 8221. Según Jung, el inconsciente colectivo consiste en patrones de pensamiento instintivos y universales que los humanos desarrollaron durante miles de años de evolución. Jung llamó a estos modelos de comportamiento primordial & # 8220arquetipos & # 8221. Para Jung, los arquetipos forman la base de toda experiencia personal. No importa si usted es un hombre de negocios sofisticado que vive en un apartamento de gran altura en Manhattan o un bosquimano que vive en una choza en África. Jung diría que, sin importar quién sea, tiene los mismos comportamientos arquetípicos incrustados dentro de usted.

Jung creía que estos arquetipos de comportamiento humano salían a la superficie en la mente consciente a través de símbolos, rituales y mitos. Argumentó que estos patrones arquetípicos explican por qué vemos motivos y símbolos similares en rituales e historias míticas en todas las culturas. Por ejemplo, la figura de Dios que muere / resucita se puede encontrar en las historias y mitos de los antiguos griegos, antiguos sumerios, cristianos y nativos americanos.

La creencia de Jung de que el inconsciente colectivo se refleja a través de símbolos y rituales también probablemente explica su fascinación por lo místico y lo esotérico. Era un estudiante serio de campos como la alquimia, la astrología, la interpretación de los sueños y el tarot, aunque no por su supuesta capacidad para predecir el futuro o convertir el plomo en oro. Más bien, exploró estas tradiciones esotéricas porque creía que podían ayudar a las personas a acceder al inconsciente colectivo y explorar los comportamientos arquetípicos que residían en su interior.

Muy bien, entonces, ¿cuáles son los arquetipos que Jung creía que existían en cada persona? Si bien Jung sugirió una serie de arquetipos universales, los cuatro principales son: el Ser, la Sombra, el Animus y Anima, y ​​la Persona. A los efectos de este artículo, no voy a entrar en detalles sobre los cuatro. Si es algo que le interesa, le animo a que investigue estos arquetipos por su cuenta.

Antes de continuar, dejemos que & # 8217s aclare algo. Los arquetipos no son tipos de personalidad. Jung no pensó que se pudiera clasificar a una persona como un arquetipo específico. Un hombre no puede & # 8217 hacer una prueba para decirle que él & # 8217 es una & # 8220Sombra & # 8221. Más bien, los arquetipos son simplemente patrones de comportamiento y pensamiento, o & # 8220 energías & # 8221 que se pueden encontrar en todas las personas de diferentes formas. grados.

Los cuatro arquetipos del masculino maduro: rey, guerrero, mago, amante

El psicólogo Robert Moore tomó el concepto de los arquetipos de Jung y lo usó para crear un marco que explicara el desarrollo de la masculinidad madura e integral en los hombres. Moore argumentó que los problemas que vemos con los hombres hoy en día (violencia, descuido, distanciamiento) son el resultado de que los hombres modernos no exploran adecuadamente o no están en contacto con los arquetipos primarios y masculinos que residen en ellos. Al igual que Jung, Moore creía que los hombres y las mujeres poseen patrones arquetípicos tanto femeninos como masculinos: este es el anima (femenino) y animus (masculino).

El problema con los hombres modernos es que la sociedad occidental suprime el animus o arquetipo masculino dentro de ellos y, en cambio, alienta a los hombres a ponerse en contacto con su & # 8220sofre lado & # 8221 o su ánima. Moore diría que no hay nada de malo en que los hombres desarrollen esos comportamientos más suaves, más cariñosos y femeninos. De hecho, lo alentaría. Un problema solo surge cuando el desarrollo de lo femenino se produce a expensas de lo masculino.

Según Moore, la psicología masculina se compone de cuatro arquetipos principales: Rey, Guerrero, Mago y Amante. Para que un hombre alcance la fuerza y ​​la energía masculinas maduras, debe estar en contacto con los cuatro.

La estructura de los arquetipos

Moore sostiene que cada arquetipo masculino consta de tres partes: la expresión completa y más alta del arquetipo y dos sombras disfuncionales bipolares del arquetipo. Para comprender mejor esto, Moore describe cada arquetipo como un triángulo. Aquí & # 8217s un ejemplo del arquetipo del Rey así ilustrado:

Las esquinas inferiores del triángulo representan la sombra bipolar dividida en el Yo arquetípico. El objetivo de cada hombre, según Moore, es reconciliar e integrar estas dos sombras bipolares para lograr la máxima expresión del arquetipo representado en la parte superior del triángulo.

Además, cada arquetipo tiene una forma madura e inmadura. Moore llama a las formas maduras de los arquetipos masculinos & # 8220 Psicología del Hombre & # 8221 y las formas inmaduras & # 8220 Psicología del Niño & # 8221. Los arquetipos masculinos maduros son los cuatro que ya hemos mencionado: Rey, Guerrero, Mago, Amante. Los arquetipos inmaduros de la niñez son el Niño Divino, el Héroe, el Niño Precoz y el Niño Edípico. Cada uno de estos arquetipos inmaduros tiene la misma configuración tripartita que los arquetipos maduros. Todos tienen su expresión más alta y completa junto con sus dos sombras disfuncionales bipolares.

Antes de que un niño pueda acceder al arquetipo del Rey, debe desarrollar al Niño Divino antes de poder acceder al arquetipo del Guerrero, debe desarrollar el arquetipo del Héroe. Y así sucesivamente y así sucesivamente.

Uf. Eso es mucho para masticar y digerir. Suena complicado, pero creo que si ves la idea de Moore de los cuatro arquetipos masculinos y el desarrollo de la masculinidad inmadura a madura en un diagrama, es bastante fácil de entender (haz clic en la imagen para ampliar):

Haga clic para ver la versión ampliada

  • Arquetipos de la infancia
  • El arquetipo del rey
  • El arquetipo del guerrero
  • El arquetipo del mago
  • El arquetipo del amante
  • Cómo acceder a los arquetipos

Si bien ser un hombre en última instancia se reduce a poner externamente los principios correctos en acción real, esas acciones deben provenir de un lugar interior maduro y saludable, y estas ideas, cuando se reflexionan cuidadosamente, pueden ayudarlo a apuntar en la dirección correcta mientras busca conviértete en el mejor hombre que puedas ser.

Recomiendo obtener una copia del libro para que pueda seguir a medida que avanzamos en los arquetipos, ya que le permitirá profundizar más si se despierta su curiosidad. Además, me encantaría escuchar los conocimientos que has obtenido mientras leías.


Maorí de Nueva Zelanda

A veces se asume que cada corte en una pieza de talla maorí debe tener un significado, pero de hecho probablemente gran parte de él sea puramente decorativo. El número de escultores del siglo XIX que habían sido enseñados por expertos preeuropeos hace muy probable que la mayor parte de los conocimientos de los profesores se transmitieran a los alumnos. No hay evidencia convincente de que el conocimiento fuera demasiado sagrado para ser transmitido, ya que mucha información sobre asuntos igualmente sagrados se reveló incluso a los europeos en los primeros días del asentamiento europeo. Es una conclusión razonable, por lo tanto, que la cantidad de simbolismo en la talla se ha exagerado mucho o que se había perdido cuando los europeos llegaron a Nueva Zelanda.

Es importante señalar que las figuras en talla maorí, con muy raras excepciones, no son religiosas, sino seculares. No representan ídolos, sino antepasados ​​de renombre de la tribu. El acercamiento más cercano a los ídolos fueron las figuras de piedra asociadas con la agricultura y los llamados & quot; palos de dios & quot; de los cuales hay algunos ejemplos, principalmente de la costa oeste de la Isla Norte, en museos. Estos consisten en una clavija de madera de aproximadamente 18 pulgadas de largo con una cabeza tallada en el extremo superior y el extremo inferior puntiagudo para que pueda clavarse en el suelo. Ocasionalmente hay dos cabezas y, a veces, se muestra el cuerpo o parte del cuerpo. Se creía que el dios tribal entraba en el objeto cuando el eje estaba atado con una cuerda de cierta manera y una franja de plumas rojas se ataba alrededor de la cabeza como una barba. Sin la encuadernación, el objeto no tenía ningún significado religioso. La práctica de atar o envolver deidades era conocida en las Islas Cook y en Niue.

Tallado simbólico en las casas de reunión maoríes

La gran casa de reuniones tallada (whare runanga) usualmente lleva el nombre de un antepasado importante y, en la mayor parte del país, era un símbolo de ese antepasado. El frente de una casa tallada tiene en el vértice del frontón una gran cabeza tallada sin parte del cuerpo visible. Esta cabeza se conoce como el koruru o parata. En las casas antiguas, en realidad está tallado en el extremo saliente del mástil (tahuhu), y el cuerpo de la figura se puede ver en el mástil dentro del porche de la casa. Sin embargo, la casa en sí también representa el cuerpo del koruru, que es el antepasado que da nombre a la casa. Los brazos del koruru son los maihi o barcazas inclinadas.

En los extremos inferiores del maihi, que se proyectan más allá de las figuras verticales (amo) a cada lado del frente de la casa, hay un diseño de obra abierta con tres, cuatro o cinco nervaduras paralelas entre sí. Por lo general, hay un manaia cabeza entre las costillas y el amo. Las costillas son dedos y ellas y la manaia representan las manos del antepasado. Es una convención muy común usar una cabeza de manaia en la mano de una figura tallada. El mástil de la casa representa la columna vertebral del antepasado y las vigas (heke) representan sus costillas. El interior de la casa representa el estómago o el pecho (poho). Esto explica la práctica común en el área de Gisborne y Hawke's Bay de nombrar una casa & quotTe Poho o xxxxx & quot, donde xxxxx es el nombre de un antepasado, como en & quotTe Poho o Kahungunu & quot y & quotTe Poho o Rukupo & quot.

Un vistazo a las ilustraciones en & quotCasas talladas de las áreas occidental y norte de Nueva Zelanda & quot de W. J. Phillipps mostrará que el distrito de Waikato es excepcional en el sentido de que sus primeras casas no tienen las manos en los extremos del maihi. En cambio, hay espirales calados similares a los tallados en los extremos inferiores del maihi en los almacenes más pequeños. Por lo tanto, parece que la gente de Waikato no observó la forma simbólica habitual de la casa.

Donde la casa representara el cuerpo de un antepasado famoso, naturalmente sería muy tapu. Esto, por supuesto, sería muy inconveniente para las personas que ingresan a la casa. Una forma de quitarle tapu a un hombre era que una mujer lo pasara por encima mientras él yacía en el suelo. Ésta era la práctica cuando los guerreros regresaban de la guerra en estado de tapu, el principio era que una mujer, al no tener tapu, podía neutralizarlo en un hombre. Se adoptó el mismo principio para proteger a quienes entran o salen de una casa tallada. Sobre la puerta una losa tallada (cortar o korupe), con un diseño de tres figuras principales. La figura central, o las tres, serían mujeres. Así, un hombre que pasara por debajo del pare haría que las figuras femeninas le quitaran el tapu de la casa.

Hasta hace poco tiempo, las casas talladas en la mayoría de los distritos no tenían tallado en el interior, aparte del pou toko manawa, el poste que sostiene el mástil en el medio de la casa. Sin embargo, en la costa este y en los distritos de Urewera y Arawa había casas con figuras talladas en todos los poupou o losas de pared dentro del edificio. Se ha dicho que esta es una práctica poseuropea que comenzó en la costa este y se extendió a Rotorua. Sin embargo, está claro que existían casas totalmente talladas en la época preeuropea, ya que Cook vio un edificio en un estado inacabado en la bahía de Tolaga en su primer viaje. Cada una de las figuras principales del poupou recibió su nombre de un antepasado. Desde aproximadamente 1870 ha sido la práctica en el distrito de Arawa, y más tarde en otros distritos, identificar a algunos de los antepasados ​​ilustrando incidentes en sus vidas. Por ejemplo, en la gran casa & quotTama te Kapua & quot en Ohinemutu, Tama te Kapua y su hermano, Whakaturia, se muestran sobre pilotes para ilustrar el incidente cuando usaron pilotes para robar la fruta del árbol de Uenuku en Hawaiki. No está claro si se trata de una práctica antigua. Parece que no queda tallado preeuropeo de este tipo, pero eso no quiere decir que no existiera. En la mayoría de los casos, no hay nada que identifique al antepasado representado. De hecho, no es raro que las figuras reciban el nombre después de que la casa esté terminada.

Simbolismo en los almacenes maoríes

Es común que las barcazas de un gran almacén representen a varios hombres arrastrando una ballena a la orilla. La figura superior sostiene la cola de la ballena y parece presentársela al jefe, representada por el tekoteko, la figura tallada en la cúspide del edificio. Nadie sabe por qué está allí la ballena, pero es razonable suponer que la ballena, que representa una gran cantidad única de comida, sería el símbolo más apropiado de abundancia para colocar en un almacén. Otra característica que se ve en los almacenes es un par de figuras humanas abrazadoras, una masculina y otra femenina. Por lo general, las figuras tienen cabezas naturalistas y están tatuadas, pero se conocen algunas con cabezas grotescas. De 10 almacenes con un par de figuras, siete tienen esta característica en el amo, o losas verticales debajo de la maihi. Los otros tres tienen el par abrazado tallado sobre la entrada. Siete de estos almacenes son del área de Rotorua Bay of Plenty y los otros están representados en bocetos de edificios de North Auckland dibujados por Augustus Earle en 1827. Estos pataka tienen los diseños típicos del área de Rotorua Bay of Plenty y probablemente fueron tallados por expertos de allí. El Capitán Cruise registró que cuando estaba en la Bahía de las Islas en 1820, un hombre que había sido traído desde Thames para hacer este trabajo estaba esculpiendo una pataka. A veces se dice que la pareja abrazadora representa a los padres primigenios de todos los seres vivos, Rangi y Papá, el padre-cielo y la madre-tierra. Es una suposición razonable que existe un cierto elemento de fertilidad simbolizado por las figuras en los almacenes.

El lagarto en el arte maorí

En una monografía de Elsdon Best (N.Z. Journal of Science and Technology, Vol. V, p. 321), hay varias ilustraciones de lagartos en talla maorí. Con dos excepciones, todos los ejemplos ilustrados son obra de Arawa de finales del siglo XIX. Sin embargo, esto no significa que el lagarto sea una característica poseuropea, especialmente en vista de la continua tradición de tallar en el distrito de Arawa. La casa tallada en el Hotel Spa, Taupo, fue obra de Wero, uno de los talladores más destacados de Te Arawa a mediados del siglo XIX y alumno de otros talladores famosos. En esta casa un gran lagarto se superpone al cuerpo de la figura en la base del pou toko manawa, o poste central que sostiene el mástil. Dos de las ilustraciones del artículo de Best muestran lagartijas sobre soportes de cresta. Esto puede ser significativo en vista de la afirmación de Best de que a veces se enterraba un lagarto debajo de uno de los tres postes que sostenían el mástil de una escuela de aprendizaje u otro edificio importante, y en general se consideraba al lagarto como un guardián eficaz. Dos de los ejemplos representados por Best muestran un lagarto en el koruru Dirígete al hastial de una casa. Hochstetter vio un lagarto tallado en el frontón de una casa cuando visitó Ohinemutu en 1859.

El lagarto también se encuentra en tallas del norte de Auckland. Un ejemplo particularmente bueno dado por Best está en la tapa de un cofre funerario. Otro lagarto aparece en el poste de apoyo de un pequeño almacén tallado pintado por Earle en el norte de Auckland en 1827 y regalado en Phillipps (Maori Houses and Food Stores, 1952, p. 181). Este almacén es del tipo que se usa para guardar los huesos de personas importantes. Probablemente haya un elemento de protección en estos dos ejemplos del norte. Lo mismo puede decirse de un gran lagarto tallado en una tumba ilustrada por Taylor (Te Ika a Maui, 1855, p. 106). Hay un lagarto tallado en el umbral exterior del almacén "Hinana" construido por Iwikau (Te Heuheu Tukino III) de Ngati Tuwharetoa entre 1854 y 1856. Esto nuevamente puede haber sido una advertencia de la naturaleza tapu del edificio. El elaborado pataka construido por Te Pokiha de Te Arawa en 1868 y ahora en el Museo de Auckland tiene una serie de lagartos tallados en el mástil. En el Museo del Dominio hay una canoa en la que hay dos lagartos. Se dice que fue el banco en el que se sentó el Tohunga. El artículo de Best también tiene una ilustración de un lagarto tallado en una flauta de hueso en el Museo Británico. El lagarto a veces se tallaba en forma de amuleto. Skinner da un buen ejemplo (JPS, Vol. 43, p. 196). Un hermoso ejemplo de pintura rupestre maorí que representa dos figuras de reptiles enfrentadas a la misma página.

Vale la pena repetir que la figura humana fue el diseño básico del tallador maorí, y cuando decoraba objetos, como cajas de plumas, usó este diseño básico y probablemente no pensó en el simbolismo. Es interesante observar que en estos objetos menores las figuras humanas son con mucha frecuencia mujeres. Esto posiblemente se deba a la falta de tapu asociada con las mujeres.

La espiral en el arte maorí

Además de sus muchas formas utilizadas en la decoración de superficies, las espirales son un elemento importante en el tallado en relieve. Las espirales maoríes son casi siempre dobles, aunque ocasionalmente se ven espirales simples talladas en objetos de piedra. Como los elementos en el tallado en relieve consisten casi en su totalidad en figuras humanas, aparte de la espiral, Archey ha propuesto la teoría de que la espiral misma ha evolucionado a partir de manaia entrelazada, o las bocas entrelazadas de manaia. Es cierto que existen numerosos ejemplos de espirales caladas que constan de dos manaia entrelazadas o bocas de manaia entrelazadas, pero se desconoce si la espiral dio lugar a estas formas o evolucionó a partir de ellas. La espiral era comúnmente una característica prominente de tatuaje de cara masculina maorí .

La espiral calada se conoce como pitau o takarangi. Tales espirales no están solas, sino que se colocan entre figuras humanas o entre las cabezas de figuras humanas. Los mejores diseños en espiral son los de los adornos de proa y popa de las canoas de guerra y los dinteles de las puertas. Las espirales también se utilizan entre figuras de caras completas o manaia en postes de puertas, marcos de ventanas y en los bordes inferiores de maihi o bargeboards en el frente de casas talladas. En las canoas de guerra y en algunas casas talladas, los espacios entre las dos volutas de una espiral se cortan a través de la madera produciendo, en un trabajo superior, un efecto de encaje. Casi todos comienzan en el centro con un espacio elíptico puntiagudo o con una letra S.

Ocre rojo - kokowai

La talla de madera maorí a menudo se resaltaba con ocre rojo. La mitológica del origen de este importante color es la siguiente. Hubo mucha sangre derramada durante la separación de Papa-tu-a-nuku (Tierra) y Rangi-nui (Cielo), los padres primordiales. La sangre de Rangi-nui a veces se ve como un resplandor rojo en el cielo. Los maoríes lo llaman papakura y lo buscan en busca de señales y presagios. La sangre de Papa-tu-a-nuku, la Madre Tierra, fluyó hacia la tierra misma y se convirtió en arcilla roja.

Se recomienda encarecidamente ser miembro de la Sociedad Hakluyt a todos aquellos interesados ​​en la historia de la exploración y los viajes. Dos volúmenes académicos distribuidos a los miembros cada año.

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Un historial de obesidad, o cómo lo bueno se volvió feo y luego malo

La escasez crónica de alimentos y la desnutrición han sido el flagelo de la humanidad desde los albores de la historia. La actual epidemia mundial de obesidad, ahora reconocida como una crisis de salud pública, tiene apenas unas décadas. Sólo después de los avances tecnológicos del siglo XVIII se pudo conseguir un aumento gradual del suministro de alimentos. El efecto inicial de estos avances en la mejora de la salud pública y la cantidad, calidad y variedad de alimentos fue una mayor longevidad y tamaño corporal. A pesar de estos primeros resultados favorables de los avances tecnológicos, su efecto incremental desde la Segunda Guerra Mundial ha sido una sobreabundancia de alimentos de fácil acceso, junto con una actividad física reducida, lo que explica el reciente aumento de la prevalencia de la obesidad. La obesidad como enfermedad crónica con consecuencias patológicas bien definidas tiene menos de un siglo. La escasez de alimentos a lo largo de la mayor parte de la historia había dado lugar a connotaciones de que estar gordo era bueno y que la corpulencia y el aumento de la "carne" eran deseables, como se refleja en las artes, la literatura y la opinión médica de la época. Sólo en la segunda mitad del siglo XIX se empezó a estigmatizar la obesidad por motivos estéticos, y en el siglo XX se reconoció su asociación con el aumento de la mortalidad. Mientras que los primeros informes enumeraban la obesidad como un factor de riesgo de mortalidad por "nefritis crónica", el reconocimiento posterior de la asociación más común de la obesidad con la diabetes, la hipertensión y las enfermedades cardíacas alteró los listados y cuestionó que fuera un factor de riesgo de enfermedad renal. Un conjunto de pruebas cada vez mayor, acumulado durante la última década, ahora indica una asociación directa de la obesidad con la enfermedad renal crónica y sus resultados.


Matriz descifrada

Irak
Entidades de apariencia reptil encontradas en Irak & # 8211 5,000-4,500 AC.

Dioses sumerios
Entidad gris alienígena

Exposición de arte Museo Británico # 52

Dioses sumerios & # 8211 Desplazarse por las imágenes

Figurillas, estilo Ubaid o con cabeza de lagarto, arcilla, Ur (cultura Ubaid), quinto milenio a. C., altura: 13,6 cm Desde el período Ubaid y el período mesopotámico meridional, 5000 a. La cultura Ubaid sucedió a la Halaf a finales del sexto milenio a. C. en el sur de Irak, y luego se extendió por Mesopotamia. La cultura Ubaid es conocida por las grandes casas de cerámica pintada de planta tripartita para familias extendidas y figurillas con cabeza de lagarto de género masculino y femenino. Las figuras como las de los ejemplos anteriores son típicas. La figura de la izquierda sostiene a un bebé en su cadera y lo amamanta. La figura de la derecha tiene estrías grabadas en su abdomen. Se ha sugerido que los puntos y líneas pintados de marrón representan tatuajes y las bolitas de arcilla con cicatrices. Se desconoce si la forma de los cráneos representa una atadura real de la cabeza. Se han encontrado figurillas similares con cabezas de lagarto en Eridu. Collon, Dominique. Arte del Antiguo Cercano Oriente. Berkeley: University of California Press, 1995, pág. 46.

Nepal

7.000 a.C. & # 8211 La placa Lolladoff, descubierta en Nepal, parece mostrar un objeto en forma de disco flotando en el centro y un pequeño ser, parecido a un extraterrestre parecido a un extraterrestre gris, al lado. El patrón circular recuerda el movimiento en espiral de la conciencia & # 8211 Proporción áurea & # 8211 Geometría sagrada de la creación.

Italia

Esta pintura rupestre data del año 10.000 a. C. y procede de Val Camonica, Italia.
Parece representar a dos seres con trajes protectores sosteniendo extraños implementos.

Kiev

Extraña figura de traje encontrada en Kiev. Data de ca. 4.000 a. C.

México

Petroglifo de 7000 años descubierto en la provincia de Querétaro, México en 1966. Hay 4 figuras con los brazos extendidos debajo de un gran objeto ovalado que irradia lo que parecen ser rayos de luz.

Ecuador
Figuras antiguas en trajes espaciales

Estados Unidos & # 8211 Nativos Americanos

Petroglifos que datan de hace miles de años por los antiguos indios del suroeste de Estados Unidos. Según el folclore indio, dos objetos chocaron en lo alto del cielo y uno se estrelló en la región del Valle de la Muerte. Algunos hombres llegaron (presumiblemente en otro barco) y pasaron algún tiempo reparando la embarcación dañada y fueron observados por los indios locales. Las dos imágenes a continuación pueden representar posiblemente el barco (izquierda) utilizado por los hombres que vinieron a reparar la embarcación dañada. Al comparar las dos imágenes, la de la derecha parece representar daños estructurales alrededor de los bordes y la parte inferior. ¿Podría ser el que supuestamente se estrelló? Las imágenes son fotografías tomadas de una antigua serie de televisión titulada & # 8220In search of & # 8230 & # 8221 presentada por Leonard Nimoy.


Cañón de Sego, Utah. Estimado hasta el 5.500 a. C.

África
6000 a.C. de Tassili, desierto del Sahara, norte de África.

Tanzia

Dos pinturas rupestres de Tanzania. Se estima que ambos tienen hasta 29.000 años. El de la izquierda está ubicado en Itolo y representa varios objetos en forma de disco. La otra pintura es de Kolo y muestra cuatro entidades que rodean a una mujer. Observe también la entidad mirando hacia abajo desde el interior de algún tipo de caja u objeto.

Australia

Petroglifos de Wandjina de Kimberley, Australia.
Tiene unos 5.000 años y puede representar seres extraterrestres.
Dioses & # 8211 Enlace entre Australia y Egipto

porcelana

Esta es una vieja ilustración china de un libro ficticio titulado & # 8220Illustrated Survey of Weird Countries & # 8221 (c.1400 DC) y tenía el siguiente título original: & # 8220Ji Gung Land: La gente podía hacer autos voladores que viajaban lejos con un viento adecuado. En el día de Tarng (c. 1700 a. C.), la gente de Ji Gung que volaba en un automóvil en un westerley llegó a Yew Jo.Tarng desmanteló su automóvil para que no se pudiera demostrar a la gente & # 8230 Más tarde, llegó un viento del este y los hizo volar el automóvil de regreso a su propio país [5,000 km] al oeste de nuestra puerta de entrada. & # 8221

Japón

Se trata de una reproducción artística de un relieve encontrado en un laberinto en la isla Jotuo en el lago Toengt & # 8217ing. Una expedición tuvo lugar en 1957 (dos años antes de un terremoto en esa región). La expedición fue dirigida por el profesor Tsj & # 8217i Pen-Lai. Encontraron varios relieves que mostraban a & # 8220humanos & # 8221 con ropas extrañas que parecían trajes de astronauta (objetos en forma de manguera adheridos a la ropa). También encontraron una pintura que aparentemente se parecía al sistema solar. El tercer y cuarto círculo (planeta) estaban conectados con una línea. También había diez planetas (excluyendo el sol como planeta). Esto se conecta fácilmente a las teorías sobre Nibiru, el planeta X, etc.

Ilustración que muestra el avistamiento de una rueda en llamas en el año 900 sobre Japón.

1465 & # 8211 OVNI en forma de cigarro & # 8211 viga llameante vista en el cielo durante el reinado de Enrico IV
De Notabilia Temporum por Angelo de Tummulillis

Un corte de madera de 1479 en Arabia muestra la apariencia de un cohete completo con remaches y metal y un frente puntiagudo con estrellas brillando en el fondo.

Este es un tapiz llamado Verano y triunfo n. ° 8217 Fue creado en Brujas en 1538 y actualmente reside en el Museo Nacional Bayerisches. Puede ver claramente varios objetos en forma de disco en la parte superior del tapiz.

Un corte de madera encontrado en Nurnberg Alemania en 1561 muestra un gran misil oscuro con muchos otros similares en el cielo. También se representan globos terráqueos, naves espaciales cilíndricas y el sol.

La ilustración muestra un avistamiento por dos barcos holandeses en el Mar del Norte de un objeto que se mueve lentamente en el cielo. Parecía estar formado por dos discos de diferente tamaño. La fuente de esta cuenta es uno de los libros titulado Theatrum Orbis Terrarum por el almirante Blaeu. Estos libros eran recopilaciones de artículos de diferentes autores y consistían en relatos detallados de largos compromisos en el mar, información cartográfica, etc.

En Francia, hubo una moneda acuñada en 1680 que muestra un OVNI en forma de disco flotando con lo que parecen ser agujeros de buey o luces alrededor del borde exterior. Debido al hecho de que se acuñó una moneda que representa a este OVNI.


Vimanas & # 8211 Aeronave antigua en Egipto e India En Egipto existe un reloj estelar para la Precesión de los Equinoccios y una bombilla eléctrica que data del 2600 a. C. Se descubrió una batería eléctrica en una roca de carbono que data de hace aproximadamente 500.000 años.

siglo 15

Roma& # 8220Prodigiorum Liber & # 8221

Ilustración renacentista de un avistamiento de ovnis en Roma detallada
en un libro del historiador romano Julio Obsequens.

Alemania
Esta imagen muestra un avistamiento de ovnis sobre Hamburgo, Alemania.
Los objetos fueron descritos como & # 8216 dos ruedas brillantes & # 8217 & # 8211
4 de noviembre de 1697 & # 8211 Wheels & # 8211 Spoked Wheels.

Ruedas & # 8211 12 alrededor de 1 & # 8211 Rueda de alquimia & # 8211 Rueda del karma
La Cruz & # 8211 & # 8216X & # 8217 & # 8211 4 secciones & # 8211 4th Dimension & # 8211 Time

OVNI & # 8217S en arte religioso

En esta pintura que se encuentra en un cajón de madera de los muebles guardados en los Condes D & # 8217Oltremond, en Bélgica, se representa a Moisés recibiendo las tablas de los Diez Mandamientos, con & # 8220 cuernos en llamas & # 8221. Varios objetos igualmente en llamas están en el cielo antes. él. Se desconocen la fecha y el artista.

Jesús y OVNI & # 8217S en arte religioso


& # 8220El bautismo de Cristo & # 8221Un objeto en forma de disco brilla con rayos de luz sobre Juan el Bautista y Jesús & # 8211 Fitzwilliam Musuem, Cambridge, Inglaterra & # 8211 Pintado en 1710 por el artista flamenco Aert De Gelder. Representa un OVNI clásico, flotante, plateado, en forma de platillo que brilla con rayos de luz sobre Juan el Bautista y Jesús. ¿Qué pudo haber inspirado al artista a combinar estos dos temas?

Fresco del siglo XVII de la crucifixión & # 8211 Catedral Svetishoveli en Mtskheta, Georgia.
Tenga en cuenta las dos embarcaciones en forma de platillo a cada lado de Cristo.

& # 8220La Tebaide & # 8221

Pintado por Paolo Uccello & # 8211 circa 1460-1465. La imagen de la derecha muestra un OVNI en forma de platillo rojo visto cerca de Jesús.
La pintura se encuentra en la Academia de Florencia.

Frescos en toda Europa que revelan la aparición de naves espaciales en los cielos, incluida esta pintura de & # 8216La crucifixión & # 8217 & # 8211 pintada en 1350. Parece representar a un pequeño hombre de aspecto humano mirando por encima del hombro & # 8211 a otro OVNI mientras si lo persigue & # 8211 mientras vuela por el cielo en lo que claramente es una nave espacial. La nave principal está decorada con dos estrellas titilantes, una que recuerda a las insignias nacionales de los aviones modernos. Esta pintura cuelga sobre el altar del monasterio Visoki Decani en Kosovo, Yugoslavia.


& # 8220Glorificación de la Eucaristía & # 8221 fue pintado por Bonaventura Salimbeni en 1600.

Hoy cuelga en la iglesia de San Lorenzo en San Pietro, Montalcino, Italia.
¿Qué representa el & # 8216Sputnik dispositivo similar a un satélite & # 8217?

Madre María

Un fresco del siglo XIV de la Virgen y el Niño representa en la parte superior derecha la imagen de un OVNI flotando en la distancia. Una ampliación de este fresco revela tremendos detalles sobre este OVNI, incluidos los ojos de buey. Parece indicar una participación religiosa entre los ovnis & # 8217 y la aparición del Niño Jesús.

Esta pintura se llama & # 8220La Virgen con San Giovannino & # 8221. Fue pintado en el siglo XV por Domenico Ghirlandaio (1449-1494) y se cuelga como parte de la colección Loeser en el Palazzo Vecchio. Sobre el hombro derecho de Mary hay un objeto en forma de disco. A continuación se muestra una ampliación de esta sección y se puede ver claramente a un hombre y su perro mirando el objeto.

& # 8220La Asunción de la Virgen & # 8221

Pintado alrededor de 1490 por un artista desconocido. En forma de salsa & # 8220clouds & # 8221 intriga a los ufólogos modernos. ¿Podrían haber aparecido tantos en el cielo al mismo tiempo? ¿O son los OVNIs en forma de sombrero representados aquí tan numerosos para -puntuar- ciertos eventos como particularmente santos?

La vida de María y tapices del siglo XIV # 8211
1330

& # 8216El Magnífico & # 8217 & # 8211 Notre-Dame en Beaune, Burgandy

La pintura de arriba fue realizada por Carlo Crivelli (1430-1495) y se llama & # 8220 La Anunciación con San Emidius & # 8221 (1486) y se cuelga en la Galería Nacional de Londres. Un objeto en forma de disco está iluminando con un rayo de luz de lápiz hacia el chakra de la corona de María. Una explosión del objeto está al lado de la pintura.

La imagen de arriba muestra a Jesús y María en lo que parecen ser nubes lenticulares. La pintura se titula & # 8220The Miracle of the Snow & # 8221 y fue pintada por Masolino Da Panicale (1383-1440) y está colgada en la iglesia de Santa Maria Maggiore, Florencia, Italia.
Barry H. Downing y # 8217s La Biblia y los platillos voladores (1968)

      La Biblia, tanto el Antiguo como el Nuevo Testamento, está llena de relatos de encuentros con seres divinos. Abraham y el & # 8216 fogón humeante & # 8217 y una antorcha encendida que apareció en el cielo como señal de aceptación de su sacrificio.

    El Nuevo Testamento también contiene muchos avistamientos que suenan familiares. La más importante es la famosa Estrella de Belén, que Mateo registra que los Reyes Magos & # 8211 probablemente astrónomos-sacerdotes zoroástricos & # 8211 la siguieron hasta que se detuvo sobre el lugar donde estaba el niño (Mat. 2: 9) & # 8211 comportamiento más inusual. para una supernova, cometa o conjunción planetaria!

    El nacimiento mismo había sido anunciado inmediatamente por la aparición de un mensajero que resplandecía con la gloria del Señor a los pastores en los campos por la noche. (Lucas 2: 9)

    Downing, él mismo un ministro, argumenta que muchos de los términos que describen luces tan gloriosas y brillantes podrían ser descripciones de ovnis. Incluso la forma que se cree que es el Espíritu Santo que se vio descender como una paloma en el bautismo de Cristo y la nube brillante en la Transfiguración (Mateo 17: 1-8) podría haber sido una nave extraterrestre. Los hombres con ropas brillantes, como los que los discípulos creían que eran Moisés y Elías en la Transfiguración, habrían sido sus ocupantes.

    Después de la crucifixión, otro de estos compañeros salió del cielo, quitó la piedra de la tumba y anunció la resurrección. Y, por supuesto, al final de la misión de Jesús en la Tierra, se elevó por los aires y una nube lo perdió de vista mientras dos de esos misteriosos Hombres de Blanco consolaban a los discípulos (Hechos 1: 6-11).

    Nubes lenticulares & # 8211 Pintura realizada en 1420

    Este fresco se encuentra en la Iglesia de San Francesco en Arezzo, Italia.

    Gigantes en la Biblia & # 8211 Historias de inundacionesGénesis 6: 4 Había gigantes en la tierra en aquellos días y también después de eso, cuando los hijos de Dios vinieron a las hijas de los hombres y les engendraron hijos, éstos se convirtieron en valientes que desde la antigüedad fueron varones de renombre.

    Números 13:33 Y allí vimos los gigantes, los hijos de Anac, que venían de los gigantes; y éramos a nuestros ojos como langostas, y así estábamos a sus ojos.

    Deuteronomio 2:11 Los cuales también fueron contados como gigantes, como los Anakim, pero los Moabitas los llaman Emims.

    Deuteronomio 2: 20-21 Eso también fue contado como una tierra de gigantes: los gigantes moraron allí en el tiempo antiguo y los amonitas los llaman Zamzummims Un pueblo grande, y muchos, y alto, como los Anakim, pero el SEÑOR los destruyó delante de ellos y tuvieron éxito ellos, y habitó en su lugar:

    Deuteronomio 3: 11-13 Porque solo Og rey de Basán quedó del remanente de gigantes he aquí, su lecho era un lecho de hierro, ¿no es así en Rabbath de los hijos de Ammón? Nueve codos de largo y cuatro codos de ancho, según el codo de un hombre. Y esta tierra que poseíamos entonces, desde Aroer, que está junto al río Arnón, y la mitad del monte de Galaad, y sus ciudades, se la di a los rubenitas y gaditas. Y el resto de Galaad, y todo Basán, siendo el reino de Og, di a la media tribu de Manasés toda la región de Argob, con todo Basán, que se llama la tierra de los gigantes.

    Deuteronomio 9: 2 Pueblo grande y alto, los hijos de Anak, a quienes tú conoces, y de quienes has oído decir: ¿Quién podrá estar delante de los hijos de Anac?

    Josué 12: 4 y el territorio de Og rey de Basán, que era del remanente de los gigantes, que habitaba en Astarot y en Edrei,

    Josué 13:12 Todo el reino de Og en Basán, que reinó en Astarot y en Edrei, los que quedaron del remanente de los gigantes; porque a éstos los hirió Moisés y los echó fuera.

    Josué 15: 8 Y subía el límite por el valle del hijo de Hinom hasta el lado sur del jebuseo, la misma que es Jerusalén; y el límite subía hasta la cumbre del monte que está delante del valle de Hinom al occidente, que está al final del valle de los gigantes hacia el norte:

    Josué 17:15 Y Josué les respondió: Si eres un pueblo grande, sube al bosque, y corta allí para ti en la tierra de los ferezeos y de los gigantes, si el monte de Efraín es demasiado estrecho para ti. .

    Josué 18: 16-17 Y descendía el límite hasta el extremo del monte que está delante del valle del hijo de Hinom, y que está en el valle de los gigantes al norte, y descendía hasta el valle de Hinom, hasta el lado de Jebusi en el sur, y descendió a Enrogel, y fue atraído desde el norte, y salió a Enshemesh, y salió hacia Geliloth, que está enfrente de la subida de Adummim, y descendió a la piedra de Bohan el hijo de Rubén,

    2 Samual 21:20 Y había todavía una batalla en Gat, donde había un hombre de gran estatura, que tenía en cada mano seis dedos, y en cada pie seis dedos, veinticuatro en número y también le nació al gigante .

    1 Crónicas 20: 6 Y otra vez hubo guerra en Gat, donde había un hombre de gran estatura, cuyos dedos de las manos y de los pies eran veinticuatro, seis en cada mano y seis en cada pie; y él también era hijo de la gigante.

    Otras referencias a gigantes Los Annunaki & # 8211 Dioses de los Cielos & # 8211 (Anak, Anakim, Anakites, Nephilim, Arba, Rephaites). Anu, Pléyades, An, Anshar, Kishar, Antu, Ki, Gibil, Nusku, Gulu, Ninmah, Nergal, Cuthah, Kuta, Gudua, Gudea, Imdugud, Ningursu, Danu.

    Gigantes antes del diluvio

    Entonces el Elohim (modismo hebreo de un plural de magnitud o majestad (Génesis 1: 1), usado para dioses paganos, o de ángeles o jueces como representantes de Dios, Elohim es plural tanto en sentido como en forma. Es etimología , las raíces más probables significan & # 8220be fuerte, & # 8221 o & # 8220 estar al frente, & # 8221 el poder y preeminencia de Dios en cuanto a EL (heb. & # 8216el, Dios) es una palabra genérica para Dios en los idiomas semíticos: arameo elah, árabe ilah, acadio ilu. En el AT, el se usa más de doscientas veces para Dios. El tiene un plural, elim, ocasionalmente elhm en ugarítico, pero los hebreos no necesitaban plural, aunque un término plural , & # 8216elohim, era su nombre habitual para Dios.

    La raíz de la que se deriva 'el puede provenir de & # 8216wl, & # 8220to ser fuerte & # 8221 de una raíz árabe & # 8216ul, & # 8220 estar enfrente de & # 8221 como líder de una raíz hebrea' lh a la cual tanto 'el como' elohim pertenecían, con el significado & # 8220 strong & # 8221 de la preposición el, & # 8220 para estar enfrente de & # 8221 y usando las mismas preposiciones, como plantear la idea de Dios como la meta por la que todos los hombres buscan .

    Una teoría verdaderamente satisfactoria es imposible, porque 'el y los otros términos para Dios, & # 8216elohim y & # 8216eloha, son todos de origen prehistórico.) Hacen su regreso en Génesis 6: 2, cuando los & # 8220 hijos de Dios & # 8221 tener relaciones sexuales con las & # 8220 hijas de los hombres & # 8221 & # 8230 & # 8221 y tomaron esposas de todas las que eligieron & # 8221

    Los resultados de este evento engendraron a Lamec (heb. Lemej, que significa indeterminado), padre de Noé, basó su fe en la liberación prometida de la maldición adánica de Génesis 3: 14-19, él prevé, aunque sea débilmente, la venida de Uno de su simiente (véase 1 Crón. 1: 3 Lucas 3:36) que quitará esa maldición (véase Romanos 8: 18-25). Jared era el padre de Enochs & # 8217, quien a través de la tradición le dictó a su hijo alrededor del 5800 a.C.

    & # 8220Las Lamentaciones de Jared & # 8221 cómo los dioses vinieron a la tierra y desviaron a su propia tribu de Adán y también a las tribus de Caín.

    Desde Adán hasta Noé, nacieron siete Patriarcas principales, siendo Noé la octava persona como se muestra en 2 Pedro 2: 5. Tenga en cuenta que Caín y Abel no se cuentan para un total de diez, pero Seth fue el primero.

    Uta-Napishtim (Noé babilónico) fue el décimo rey de Babilonia antes del Diluvio. La Lista de reyes sumerios menciona cinco ciudades existentes antes del Diluvio Eridu, Bad-tinia, Larak, Sippar y Shuruppak.

    • El primer rey fue Alorus, quien gobernó durante 120 sari, o 432.000 años antes del Diluvio (nótese 162.000 años).
    • Abulim reinó durante 28.800 años.
    • Abolga reinó 36.000 años.
    • Dos reyes más reinaron durante 64.800 años. Estos representaron las cinco ciudades. Mientras que en Eridu, reyes del cielo reinaron durante 64,800 años antes del Diluvio.
    • Si ocho reyes gobernaron durante 241.200 años, los últimos cinco reyes totalizaron 140.400 años. Un sacerdote caldeo, Berossos, escribió en griego ca. 289 a.C., informó que, según la creencia mesopotámica, transcurrieron 432.000 años entre la coronación del primer rey terrenal y la llegada del diluvio. La lista de los primeros reyes sumerios nombra ocho reyes con un total de 241.200 años desde el momento en que se estableció la realeza. bajado del cielo & # 8221 al momento en que & # 8220 el Diluvio barrió & # 8221 sobre la tierra una vez más & # 8220 el reinado fue bajado del cielo & # 8221 (Thorkild Jacobsen, The Sumerian King List, 1939, pp.71, 77).

    Un análisis bíblico del texto masorético de las edades de los patriarcas cuando nacieron sus hijos muestra que solo pasaron 1.656 años desde la creación hasta la caída de Adán hasta el diluvio y la paternidad de Sem.

    Génesis 6: 4 & # 8220Había gigantes en la tierra en aquellos días & # 8230, cuando los hijos de Dios vinieron a las hijas de los hombres, y les engendraron hijos, los mismos se convirtieron en valientes (Nefilim) que fueron desde la antigüedad , hombres de renombre

    Los primeros textos sumerios los llamaban Anunaki, & # 8220 los que vinieron del cielo a la tierra. & # 8221 Los Anakim como en Génesis 6: 4 son los hijos de los hijos de Dios, se les llama Nephilim (etimología incierta) o gigantes. (Heb. Rapha, rapha, heb. Gibbor, poderoso, Refaim de Canaán, antepasado de Og, rey de Basán, Emim de los moabitas, Zamzumm de los amonitas, heb. Murmuradores, zuzitas (Zuzim) en Génesis 14: 5) que eran de ancianos, hombres de renombre.

    Este cruce puede ser la razón por la que los ancestros creen que las relaciones sexuales pueden afectar la salud de uno. Uno podría incluso sospechar que los Anakim eran posiblemente los dioses griegos de la mitología & # 8220 ángeles caídos & # 8221 el hebreo original & # 8220B1nai Elohim & # 8221 algunos que no sobrevivieron al Diluvio.

    Tanto el Génesis como el Talmud sugieren que los Gigantes, que estaban resentidos con Dios por destruir a sus antepasados, se entrometieron en los asuntos de la humanidad.

    Finalmente, Nimrod visto en Génesis 10: 8-10 & # 8220 Y Cus engendró a Nimrod: comenzó a ser un poderoso (primer rey) en la tierra. Fue un valiente cazador ante el SEÑOR; por lo cual se dice: Así como Nimrod el valiente cazador ante el SEÑOR. & # 8221 Nimrod (heb. la ciudad de Babel (Babilonia).

    Este individuo fue el comienzo del reino en Babilonia y se convirtió en el fundador de Nínive y otras ciudades de Asiria. Se distinguió como cazador, gobernante y constructor. Vivió durante una cantidad indeterminada de siglos después del Diluvio y fue nieto de Cam. Era un hombre valiente y de gran fuerza de mano.

    Persuadió a los hombres de que no se adscribieran a Dios, a fin de llevarlos a una dependencia constante de su propio poder. ¡Juró construir una torre demasiado alta para que las aguas pudieran alcanzarla! ¡Vengándose así de Dios por haber destruido a sus antepasados!

    Han surgido muchas leyendas en torno al nombre de Nimrod, algunas de las cuales afirman que era idéntico a & # 8220Ninus, & # 8221 uno de los primeros reyes o dioses babilónicos (rey de Asiria, fundador de Nínive, conocido en la historia como Shamshi-Adad V de 811 ANTES DE CRISTO). Una vez más, algunos han asociado a Nimrod con la construcción de la Torre de Babel (Génesis 11: 1-9). Otros lo han identificado con el antiguo rey de Babilonia, Gilgamesh (epopeya acadia de Gilgamesh, quinto rey de la primera dinastía de Erech después del Diluvio), pero no hay pruebas de que los dos fueran idénticos. El Talmud enfatiza que mientras Esaú pasaba sus días cazando y que una flecha de su arco mató al gigante Nimrod (leyendas de & # 8220Ninus & # 8221 o & # 8220Gilgamesh & # 8221). ¿Nimrod finalmente murió después de todo este tiempo desde Génesis 10 hasta el 26?

    También se le atribuyó a él y a su pueblo la construcción de Erech, Accad y Calneh, en la tierra de Shinar. Asur, hijo de Nimrod, construyó Nínive, Rehabot, Cala y Resen.

    Después del diluvioDespués del Diluvio en Sumer, Emmerkar, Lugalbanda (Lugulbanda) y Gilgamesh (estimado en 3.000 a. C.), estuvieron entre los primeros reyes de la ciudad de Erech.El segundo, tercero y quinto gobernantes de la Primera Dinastía de Erech, que siguió a la Primera Dinastía de Kish, que recibió el & # 8220 reino & # 8221 del cielo inmediatamente después del Diluvio. Algunos creen que esta inundación ocurrió en el 4.000 a. C. y era diferente a la recopilada en el relato de Génesis. Lugalbanda era un dios y rey ​​pastor de Uruk (Erech) donde fue adorado durante más de mil años. Posiblemente el tercer rey de Uruk después del gran diluvio. Gilgamesh (Épica acadia de Gilgamesh, quinto rey de la primera dinastía de Erech después del Diluvio) le presentó a Lugulbanda los cuernos del Toro del Cielo.

    Alrededor del 3200 a.C. Menes estaba consolidando el Alto y el Bajo Egipto, Sumer estaba prosperando, y luego los pueblos semíticos aparecieron en escena con Sargón (2550-2400 a.C.) conquistando Erech (Uruk), Ur, E-Ninmar, Lagash, hasta las montañas de Elam, Creta. y uniendo la zona. Sargón, rey de Agade, vice regente de la diosa Ishtar, rey de Kish, pashishu (una clase de sacerdote que preparaba y aplicaba ungüentos) del dios Anu, rey de la tierra, gran ishakku (sumo sacerdote) del dios Enlil.

    Alejandro Magno tuvo dos encuentros OVNI que se registraron. Durante su invasión de Asia en 329, mientras cruzaban un río, Alejandro y sus hombres vieron lo que se describió como escudos plateados relucientes en el cielo. Los objetos se abalanzaron repetidamente sobre los soldados, dispersando a hombres y caballos y creando un gran pánico.

    Siete años después, mientras atacaban una ciudad veneciana en el Mediterráneo oriental, los observadores de ambos lados del conflicto informaron de otro evento increíble. Aparecieron objetos en el cielo. Uno de los objetos disparó repentinamente un rayo de luz hacia la muralla de la ciudad, convirtiéndola en polvo. Esto permitió a las tropas de Alejandro tomar fácilmente la ciudad.

    El siguiente es un informe tomado del Revisión de América del Norte, 3: 320-322, 1816 & # 8211 un informe que el autor E. Acharius también estaba llevando a la Royal Academy. El evento tuvo lugar en el pueblo de Biskophsberga.

        El 16 de mayo pasado (1816), siendo un día muy cálido, y durante un vendaval de viento del suroeste, un cielo despejado, alrededor de las 4 de la tarde, el sol se oscureció y perdió su brillo para ese grado, que podía ser mirado sin inconvenientes a simple vista, siendo (el sol) de un color rojo oscuro, o casi brillante, sin brillo.

      Al mismo tiempo aparecieron en el horizonte occidental, de donde soplaba el viento, para surgir gradualmente y en rápida sucesión, un gran número de bolas, o cuerpos esféricos, a simple vista del tamaño de la corona de un sombrero, y de color marrón oscuro.

      Cuanto más cerca se acercaban al sol estos cuerpos, que ocupaban una anchura considerable aunque irregular del cielo visible, más oscuros aparecían y, en las proximidades del sol, se volvían enteramente negros.

      A esta altura su curso (velocidad) pareció disminuir, y muchos de ellos permanecieron, por así decirlo, estacionarios, pero pronto reanudaron su movimiento anterior y acelerado, y pasaron en la misma dirección con gran velocidad y casi horizontalmente.

      Durante este recorrido algunos desaparecieron, otros cayeron, pero la mayor parte continuó su avance casi en línea recta, hasta perderse de vista en el horizonte oriental.

      El fenómeno duró ininterrumpidamente, más de dos horas, durante las cuales millones de cuerpos similares se levantaron continuamente en el oeste, uno tras otro de manera irregular, y continuaron su carrera exactamente de la misma manera (mencionada anteriormente).

      No se percibió ningún informe, ruido, ni silbidos o zumbidos en el aire. Como estos cuerpos aflojaron su rumbo al pasar por el sol, varios fueron ligados entre sí, tres, seis u ocho de ellos en una línea, unidos como un tiro de cadena por una barra delgada y recta pero continuando de nuevo un rumbo más rápido (velocidad) , se separaron, cada uno con una cola detrás, aparentemente de tres o cuatro brazas de largo, más ancha en su base donde se adhirió a la bola, y disminuyendo gradualmente, hasta terminar en una punta fina (colas afiladas).

      Durante el curso, estas colas que tenían el mismo color negro que las bolas, desaparecieron gradualmente.

      El autor continúa afirmando que algunas de las bolas llegaron a la Tierra cerca de un observador. A medida que se acercaba al suelo, perdió su color negro y se volvió difícil de ver hasta que llegaron al suelo y de nuevo se volvió más visible, pero esta vez como una bola de colores cambiantes.

      La gente los comparó con pompas de jabón. Estos luego desaparecieron dejando una fina película: & # 8220 & # 8230 una película o película apenas perceptible, tan fina como una mazorca, que (en sí) todavía cambiaba de color, pero pronto se secó y desapareció.

      Como este hecho duró horas, fue presenciado por toda la gente del pueblo.

      1824: Fenómeno extraño en Orenburg A fines de septiembre de 1824, la gente de Orenburg, Rusia, se quedó perpleja cuando escuchó un ruido en el techo en forma de cebolla de la iglesia ortodoxa. Pronto descubrieron & # 8220pequeñas piezas simétricas de metal & # 8221 cayendo del cielo azul claro. Meses después, el 25 de enero de 1825, volvió a ocurrir el mismo fenómeno. Se recolectaron muestras del material y se enviaron a San Petersburgo (entonces capital de Rusia).

      En Oeuvres vol. 11, página 644, un científico, M. Arago, señaló que un análisis químico de los objetos había demostrado que eran & # 822070 por ciento de óxido rojo de hierro y azufre, y pérdida (de masa) por ignición (combustión) del 5 por ciento. . & # 8221

      Sorprendentemente, las piezas de metal mostraban signos de haber sido fabricadas. La caída de Orenburg & # 8220sky & # 8221 atrajo la atención del príncipe Pavel Vasilyevich Dolgorukii, el & # 8220librarian & # 8221 de los místicos Hermanos de la Orden Interior.

      Esta fue una rama de la Logia Harmonia, fundada por Nikolai Novikov en San Petersburgo en 1780. Cuando la emperatriz Catalina II suprimió las logias masónicas de Rusia en 1792 y encarceló a Novikov, Dolgorukii y dos hermanos, Yuri y Nikita Troubezkoi, formaron los Hermanos de el Orden Interno.

      Luego se dedicaron a recopilar cientos de libros sobre alquimia, misticismo y lo paranormal, incluidas obras de los ocultistas más notorios de la época. La colección tuvo una primera edición Originalschriften des Illuminatenordensekte de Adam Weishaupt y folletos de Jean-Baptiste Willermoz y el ayatolá Shaikh Ahmed Ahsai.

      Después de la muerte de Dolgorukii en 1838, la colección y quizás un puñado de esos misteriosos artefactos de Orenburg pasaron a manos de su hija, Mme. Nadyezhda de Fadeyev.

      En 1846, aproximadamente en la época de la guerra entre Estados Unidos y México, Mme. de Fadeyev y su sobrina de 15 años, Elena Petrovna von Hahn, pasó el verano leyendo todos los libros místicos en la biblioteca de su abuelo fallecido.

      Treinta años después, como la autora / ocultista Helena Blavatsky, insinuó los extraños hechos en Orenburg en su libro, La Doctrina Secreta& # 8230más de un místico ruso viajó al Tíbet a través de los Urales en busca de conocimiento e iniciación en las criptas desconocidas de Asia central. Y más de uno regresó años más tarde con una gran cantidad de información que nunca se le podría haber dado en ningún lugar de Europa. & # 8221

      Este sendero, similar al & # 8220Underground Railroad & # 8221 para esclavos negros fugitivos a principios del siglo XIX en EE. UU., Conducía desde San Petersburgo y Moscú directamente a través de Orenburg. La colección Dolgorukii desapareció en algún momento de la década de 1890, después de que Mme. De Fadeyev & # 8217s muerte.

      Orenburg se encuentra al sur de los Montes Urales, a 600 kilómetros (360 millas) al este de Moscú. (Ver El libro completo de Charles Fort, Dover Publications Inc., Nueva York, NY, 1974. Los Maestros Revelados por K. Paul Johnson, State University Press, Albany, NY, 1994, páginas 19 a 22.)

      Ejemplo de luz terrestreBonnycastle, R. H. Revista estadounidense de ciencia, 1837

          A las nueve y cuarto de la noche del domingo ocho de mayo del presente año (1837), mi atención, mientras contemplaba los cielos, fue atraída por la fuerza a la repentina aparición al este de una amplia y brillante columna de luz.

        Al principio, como mi ventana da a la bahía de Toronto y a la isla baja que la separa del lago, tomé esta singular columna de luz para el reflejo de algún barco de vapor en las nubes, pero habiendo buscado el aire libre en la galería que manda. una vista completa de la bahía y de Ontario.

        Estaba convencido de que el meteoro era una efluencia del cielo, ya que ahora lo veía extenderse hacia arriba desde la línea del horizonte de agua del este hasta el cenit, en una columna ancha, igual y bien definida de luz blanca fuerte, que se asemeja en cierto grado a la de la aurora, pero de un brillo constante y un cuerpo inmutable, mientras que había pocas nubes o ninguna.

        La Osa Mayor, entonces cerca del cenit, estaba situada con respecto a esta columna, a las nueve y cuarto como abajo, la columna pasaba casi verticalmente entre (z) y (H) [el autor se refiere a las letras griegas aquí].

        No había luna, ya que ese día salió a las 2h. 4m. en consecuencia, estaba oscuro y el cielo no estaba muy nublado, el meteoro se vio con mayor ventaja a medida que avanzaba la noche.

        Pasó muy lenta y corporalmente hacia el oeste, continuando ocupando el espacio desde el horizonte hasta el cenit, hasta que la parte superior primero se desvaneció lentamente y luego el conjunto desapareció gradualmente, después de haber llegado casi al nordeste.

        Un ovni visita Ohio en 1858 Publicado en El amigo silencioso ilustrado

            , un misterioso libro en miniatura apareció en los puestos de libros de la ciudad de Nueva York. Lo suficientemente grande como para caber en la palma de la mano y se puede ocultar fácilmente en el bolsillo de un caballero o en una bolsa de tejer para dama.

          El amigo silencioso ilustrado

          Como la página de título de la copia de bolsillo que poseo informa al público, la Amigo silencioso es Una guía completa para la salud, el matrimonio y la felicidad, abarcando sujetos nunca antes discutidos científicamente y # 8211 con magníficas ilustraciones en la anatomía de los pulmones, parto fistal, monstruosidades, tumores uterinos, órganos generativos, deformidades, enfermedades y amp C.También, valioso y Recibos prácticos en medicina, artes, etc. Y en 382 páginas impresas en tipografía minuciosa, Dr. Earl ofrece una impresionante variedad de señuelos curiosos y pintorescos. Entre anuncios de cajas fuertes masculinas [condones] hechos de caucho blanco indio y curas a base de hierbas para la gonorrea, se encontraban recetas para hacer que la madera sea más duradera que el hierro y consejos prácticos para los hipnotizadores a tiempo parcial.

          Por supuesto, muchos libros de la época trataban temas similares, pero no del todo con el estilo del Dr. Earls: & # 8220 Para transferir un rostro pálido y cetrino a uno de belleza, & # 8221 nos dice, & # 8220 tomar una docena de hierro común. Uñas, de aproximadamente 2 pulgadas de largo, una cucharada de extracto de aloes hepática, colóquelas en una botella grande y póngalas en dos cuartos de eider, ciérrelas con corcho y agítelas todos los días durante un mes, luego cuele el líquido transparente, y de esto, tome una cucharada al levantarse y acostarse, cuando toda la palidez desaparecerá del rostro y finalmente alcanzará la belleza. & # 8221

          Si esta belleza se logra en la vida o finalmente se logra después de la muerte por envenenamiento del paciente, el Dr. Earl no lo dice. Entre todas las trampas de aceite de serpiente contenidas en esta entretenida parte de Americana hay una entrada que, por su extrañeza y su uso de nombres y lugares específicos, se destaca del resto. En las páginas 253-256, encontramos esta sorprendente entrada:

          & # 8220 ¿Los habitantes de otros planetas alguna vez visitan esta Tierra? Propongo a este respecto hacer algunas observaciones sobre lo siguiente: El Sr. Henry Wallace y otras personas de Jay, Ohio, me han detallado recientemente el anexo. Hay miles de casos de este tipo registrados. Afirman estos señores, que en ocasiones desde que en un día claro y luminoso se proyectaba una sombra sobre el lugar donde se encontraban, esto necesariamente atraía su atención hacia los Cielos, donde todos y cada uno contemplaban una vasija grande y curiosamente construida, no más de cien yardas de la tierra. Podían discernir claramente una gran cantidad de personas a bordo de ella, cuya altura promedio parecía ser de unos tres metros y medio. Evidentemente, la vasija estaba accionada por ruedas y otros apéndices mecánicos, todos los cuales trabajaban con una precisión y un grado de belleza nunca alcanzados por ninguna habilidad mecánica en este planeta.

          Ahora, sé que miles, en este recital, llorarán patrañas, tonterías, locura, etc., pero sé que hay otros miles que leerán y reflexionarán. Es para estos últimos miles para los que escribo. Érase una vez un reformador célebre, que se levantó entre el pueblo y enseñó una nueva doctrina, que por su razonabilidad y su sencillez, electrizó los corazones de las personas pensantes. Pero la parte que no pensaba y que odiaba la razón y las nuevas ideas gritó y se fue con él a la crucifixión. Y sí crucificaron su cuerpo, pero aún no han logrado crucificar la razón y nuevos hechos e ideas que se enseñen.

          En vista, entonces, de lo anterior, me atrevo a adelantar las siguientes observaciones: Creo que llegará el momento en que todos los habitantes de todos los mundos o planetas del sistema solar, se visitarán regularmente entre sí cuando estén en plenitud o fructificación. de las cosas, un intercambio de ideas y comodidades, visitas y saludos entre los respectivos habitantes de todos los mundos o planetas, serán comunes y universales. Creo que las grandes aspiraciones de una humanidad avanzada en esta tierra, no carecen de una buena causa y una buena razón.

          Creo que cuando las respectivas atmósferas vistas alrededor de los diferentes planetas del sistema solar, de hecho, de todas las partes del universo, hayan pasado a la más alta condición de excelencia y pureza de la que es capaz, entonces dará vida a una condición más exaltada y acabada de géneros y especies, o habitantes. Creo que es cierto que todos los planetas están ahora habitados por una especie de seres adaptados a sus respectivas condiciones planetarias y eléctricas. Y que los habitantes de miles de estos mundos, que ruedan con eterna belleza por las infinitas regiones de la inmensidad del espacio, han alcanzado esa avanzada condición en su ser planetario, no tengo ninguna duda, de lo que sea.

          Y que esta nave que el Sr. Wallace y otros vieron, era una nave de Venus, Mercurio o el planeta Marte, en una visita de placer o exploración, o por alguna otra causa, yo mismo, con la evidencia a la mano, que puedo traer para soportarlo, no tengo más dudas que yo del hecho de mi propia existencia. Este, mente, no fue un fantasma que desapareció en un abrir y cerrar de ojos, como todos los fantasmas desaparecen, pero esta nave aérea fue guiada, propulsada y dirigida a través de la atmósfera con el sistema más científico y regularidad, a unas seis millas por hora, aunque, sin duda, , por la apariencia de su maquinaria, era capaz de ir a miles de millas por hora, y quién sabe, sino a diez mil millas por hora. ¿Qué puede ser más maravilloso como ilustración que el Telégrafo Eléctrico para conectar el viejo mundo con el nuevo? ¿Y por qué, entonces, los genios científicos de otros planetas no han hecho tanto como los nuestros?

          Además de esto, si tuviera espacio, podría sacar un argumento de la condición eléctrica de los medios existentes entre los planetas, para mostrar que un cuerpo una vez en movimiento a una distancia dada de un cuerpo planetario en el espacio, se moverá casi con la velocidad de electricidad hasta que se encuentra de nuevo con los medios resistentes o la atmósfera de otro planeta o cuerpo en el espacio. Que todo este conocimiento, y un millón de veces más, puede ser conocido por algunos de los seres exaltados de otros planetas en el espacio, no tengo ninguna duda. Pero como estaba diciendo, esta nave aérea se alejó directamente de la tierra y permaneció a la vista, hasta que por la distancia se perdió de vista. Lo anterior es mi firme y decidida conclusión y mi creencia en este asunto. & # 8221

          El Dr. Earl vivió para publicar un nuevo amigo silencioso ilustrado ampliado, así como The Parent & # 8217s Companion Sobre las enfermedades de bebés y niños Mujer sus deberes, relaciones y posición Un trabajo médico y social Siete causas de la debilidad y moderar el ritmo que mata la vida empresarial de alta presión todo en 1878 y catalogado por la Biblioteca del Congreso.

          Por supuesto, el quid de la cuestión es este: ¿existió realmente un Henry Wallace de Jay, Ohio? El lugar más lógico para buscar serían los antiguos registros del censo de Ohio, y esto es exactamente lo que decidí hacer. Debido a dificultades logísticas (vivo a medio mundo de distancia), me comuniqué con la Sociedad Histórica de Ohio a través de Internet, pagué la tarifa requerida, incluí un sobre con mi propia dirección con mi solicitud por escrito y recibí por correo la siguiente carta con fecha del 21 de abril. , 1999:

          Con respecto a su solicitud de información del Censo de 1850, consulte los materiales adjuntos. Notará que hay varios & # 8220Henry Wallaces & # 8221 enumerados en el Índice del Censo Federal de Ohio, desafortunadamente, ninguno de ellos está incluido en un condado que incluye una ciudad con el nombre de Jay. Sin embargo, hay una ciudad llamada Jay en el condado de Erie, que se encuentra al este del condado de Lorain. Así que copiamos la lista del condado de Lorain para un Henry Wallace con la esperanza de que este fuera el hombre que le interesaba.

          Las páginas adjuntas incluían copias del censo de 1860 de Ohio. Revisé la escritura antigua y de araña, ¡y ahí estaba! Henry Wallace del condado de Eerie, y presumiblemente de Jay, fue el número 549 en los registros. Su edad en 1860 era de 30 años. Estaba casado con Cloe, de 28 años, y tenía una hija llamada Eva B, que en ese momento tenía 12 años y 8 meses. Henry y su esposa eran irlandeses, su ocupación figuraba como & # 8220Sailor. & # 8221 Es más, la entrada anterior a Henrys es para un tal David Wallace, de 27 años, y también de Irlanda. Él también tenía una esposa y una hija pequeña que mantener. La ocupación de David está catalogada como & # 8220Ship Carpenter. & # 8221

          Presumiblemente, David y Henry eran hermanos y vecinos de al lado en Jay. Una lectura más detallada de la página indica que su vecindario estaba compuesto principalmente por marineros, molineros, granjeros y domésticos, es decir, Henry y su familia parecen haber sido miembros de los trabajadores pobres de la época. Sin duda, su posición en la sociedad era difícil, al igual que la de muchos inmigrantes irlandeses. Agregue a esto la probabilidad de que Henry Wallace se mantuviera en contacto con el Dr. Earl debido a una enfermedad de transmisión sexual que le contrajo durante su vida en el mar, y surge una imagen interesante: o el marinero era un consumado artista de blarney practicando su don en un gran barco. vendedor de aceite de serpiente de la ciudad, o Wallace era una persona sencilla que le decía la verdad a alguien a quien, erróneamente, creía que era un hombre de ciencia.

          Las & # 8220 otras personas & # 8221 que el Dr. Earl menciona arriba, bien pueden haber sido de este vecindario de gente pobre en la pequeña ciudad de Jay, Ohio. Sin duda, Henry Wallace nunca sospechó que el Dr. Earl lo mencionaría por su nombre en su extraño librito y, por lo tanto, nos permitiría vislumbrar a este pobre hombre y a aquellos que podrían haber presenciado una de las visiones más extraordinarias que cualquier ser humano podría contemplar.¿Qué pensamientos podrían haber pasado por sus mentes en presencia de una aeronave flotando tan cerca de la tierra que claramente exhibía su tripulación de gigantes y la intrincada maquinaria que la hacía volar? ¡Y luego verlo moverse grandiosamente por el aire hasta perderse de vista!

          Base de datos de avistamientos de ovnis de MagnoliaJulio de 1868 Copiago (Chile).

          Una extraña & # 8220 construcción aérea & # 8221 con luces y haciendo ruidos de motor voló bajo sobre esta ciudad. La gente local también lo describió como un pájaro gigante cubierto de grandes escamas que producían un ruido metálico. Aunque no es un aterrizaje real, este es el primer caso de observación cercana de un objeto desconocido a baja altura en el siglo XIX.

          Base de datos de avistamientos de ovnis de Magnolia07 de diciembre de 1872 Banbury (Gran Bretaña). En King & # 8217s Sutton, un objeto a las 0100 horas que se asemeja a un pajar voló en un rumbo irregular. A veces alto, a veces muy bajo, iba acompañado de fuego y humo denso. Produjo el mismo efecto que un tornado, derribando árboles y paredes. De repente desapareció. (Fuerte 189)

          Mayo. 15, 1879 Golfo Pérsico. Se vieron dos & # 8220wheels & # 8221 muy grandes girando en el aire y llegando lentamente a la superficie del mar. Diámetro estimado: 40 m. Distancia entre los objetos: 150 m. Velocidad: 80 km / h / Duración: 35 min. Testigos a bordo del barco & # 8220Vultur & # 8221 (Redondeo 17 Anatomía 12)

          1880 Aldershot (Gran Bretaña). Un ser extraño vestido con ropa ajustada y un casco brillante se elevó sobre las cabezas de dos centinelas, que dispararon sin resultado. La aparición los sorprendió con algo descrito como & # 8220fuego azul & # 8221 (FSR 61, 3 Magonia)

          1880 Venezuela oriental. Un niño de 14 años vio una bola luminosa que descendía del cielo y se cernía cerca de él. De alguna manera se sintió & # 8220 & # 8221 atraído por él, pero logró retroceder a pesar de su terror. (Lor. III 2O6)

          Capron, J. Rand Nature, 1882 (Auroral & # 8220meteor & # 8221 / OVNI)

          Me volví hacia el sur, donde la luna (con una lumiere cendree muy pronunciada en su parte oscura) estaba casi en el meridiano, cuando vi un rayo en forma de huso de luz blanca brillante, bastante diferente a un rayo auroral, que se había formado. en el este. Mientras miraba, esto subió lentamente desde su posición, se elevó al cenit y lo pasé, cruzando gradualmente aparentemente por encima de la luna, luego se hundió hacia el oeste, disminuyendo lentamente en tamaño y brillo al hacerlo, y desapareciendo al llegar a la luna. horizonte. La peculiar forma de huso alargado, el lento movimiento de deslizamiento y la brillante luz plateada, y el marcado aislamiento de esta nube de las otras porciones de la aurora lo convirtieron en un objeto de lo más notable, y no recuerdo en ninguna aurora anterior haber visto nada similar.

          Cilindro de fuego extrañoRevista meteorológica mensual Symon & # 8217s, 1869

              Nuestro en el condado de Cheatham [Tennessee] alrededor del mediodía del miércoles & # 8211 un día notablemente caluroso & # 8211 en la granja de Ed. En seco, a cinco millas de Ashland, una especie de torbellino llegó sobre los bosques vecinos, tomando pequeñas ramas y hojas de árboles y enterrándolos en una especie de cilindro en llamas que viajaba a una velocidad de aproximadamente cinco millas por hora, creciendo de tamaño a medida que avanzaba. viajó.

            Pasó directamente sobre el lugar donde se alimentaba una yunta de caballos y chamuscó sus crines y colas hasta las raíces y luego barrió hacia la casa, tomando un montón de heno en su recorrido.

            Pareció aumentar de calor a medida que avanzaba, y cuando llegó a la casa, inmediatamente encendió las tejas de un extremo a otro del edificio, de modo que en diez minutos toda la vivienda quedó envuelta en llamas.

            La alta columna de calórico viajero continuó su curso sobre un campo de trigo que había sido acunado recientemente, prendiendo fuego a todas las pilas que se encontraban en su curso.

            Pasando del campo, su camino discurría por un tramo de bosque que llegaba al río. Las hojas verdes de los árboles se convirtieron en cenizas en un ancho de 20 yardas, en línea recta hacia Cumberland.

            Cuando la & # 8220pilar de fuego & # 8221 llegó al agua, cambió repentinamente su ruta río abajo, levantando una columna de vapor que subió a las nubes durante aproximadamente media milla, cuando finalmente se extinguió.

            No menos de 200 personas presenciaron el más extraño de los fenómenos extraños, y todos cuentan sustancialmente la misma historia al respecto.

            Nota personal: lo que viaja al nivel de la copa de un árbol que aparece como una & # 8220 variedad de cilindro en llamas & # 8221 y que quema todo lo que se acerca a una gran distancia, y que no es parte de una tormenta, y es capaz de moverse en línea recta, y tiene tanto calor sostenido que puede enviar una gran nube de vapor a una distancia de 1/2 milla una vez que sigue un río?

            Noble, William Knowledge, 1883

                ¿Puede alguno de mis hermanos lectores de & # 8216knowledge ofrecer una explicación factible de un fenómeno muy notable que presencié a las 10h? 35m. pm. el martes 28 de agosto? Estaba saliendo de mi observatorio cuando, en el punto E. N. E. del horizonte debajo de las Pléyades, vi una luz brillante. Mi primer pensamiento fue que la luna estaba saliendo, pero un reflejo instantáneo fue suficiente para recordarme que ella no estaría despierta durante las próximas dos horas. Mientras observaba cómo la luz se hacía cada vez más brillante, vi que proyectaba una especie de iluminación radial hacia arriba, cuyo efecto he intentado reproducir en el pequeño boceto que lo acompaña.

              Como se verá, algunos cúmuloestratos distantes, cercanos al horizonte, lo atravesaron. Por un momento imaginé que estaba viendo la aparición de un cometa nuevo y más glorioso pero, mientras observaba, la & # 8220tail & # 8221 desapareció y lo que representaría el núcleo brilló brillantemente.

              Luego decidí que alguna casa, granero o pajar distante estaba en llamas, y regresé al observatorio por un telescopio de 3 pulgadas, que conservo para observar el paisaje.

              Sin embargo, antes de que tuviera tiempo de entrar por la puerta, todo vestigio de iluminación desapareció tan repentinamente como había aparecido a la vista, y después de esperar en vano durante algún tiempo, salí del observatorio y entré en la casa. He preguntado diligentemente si hubo un incendio en alguna parte de esta parte de Sussex en la noche de la que estoy hablando, pero no hubo ninguno.

              Base de datos de avistamientos de ovnis de Magnolia02 de noviembre de 1885 Scutari (Turquía). Un objeto luminoso rodeaba el puerto. Altitud: 5-6 m. Iluminaba toda la ciudad. Duración: 1 1/2 min, como una llama verde azulada. Luego se sumergió en el mar. Hizo varios círculos sobre el muelle del ferry. (LDLN 48 Anatomía 14)

              12 de noviembre de 1887 Cape Race (Océano Atlántico). Testigos a bordo del & # 8220Siberian & # 8221 observaron una enorme esfera de fuego saliendo del océano. Se elevó a una altitud de 16 m, voló contra el viento y se acercó al barco, luego & # 8220 desapareció & # 8221 hacia el sureste. Duración: 5 min. (LDLN 48 Anatomía 14)

              28 de marzo de 1897 Omaha (Nebraska). La mayoría de la población observó un objeto que llegaba desde el sureste. Parecía una luz enorme, voló hacia el noroeste lentamente, llegó a baja altura. Una multitud se reunió en la esquina de una calle para verlo.

              01 de abril de 1897 Everest (Kansas). Todo el pueblo vio un objeto volar bajo el techo de nubes. Bajó lentamente, luego voló muy rápido hacia el sureste. Cuando estaba directamente sobre la ciudad, barrió el suelo con su poderosa luz. Se vio que se elevaba a una velocidad fantástica hasta apenas perceptible, luego bajaba de nuevo y pasaba por encima de los testigos. En un momento, permaneció estacionario durante 5 minutos al borde de una nube baja, que iluminó. Todos pudieron ver claramente la silueta de la nave. (FSR 66, 4)

              12 de abril de 1897 Nilwood (Illinois). En la propiedad de Z. Thacker, 19 km al norte de Carlinville, aterrizó un objeto desconocido. Antes de que los tres testigos pudieran llegar a ella, la nave, que tenía forma de cigarro con cúpula, se elevó lentamente y partió majestuosamente hacia el norte. Testigos: Edward Teeples, William Street y Franklin Metcalf. (186 Anatomía 12)

              12 de abril de 1897 Girard, cerca de Green Ridge (Illinois). Una gran multitud de mineros vio un objeto desconocido aterrizar a 3 km al norte de Green Ridge y 4 km al sur de Girard. El operador nocturno del ferrocarril de Chicago y Alton, Paul Mc-Cramer, declaró que se acercó lo suficiente a la nave para ver a un hombre salir de ella para reparar la maquinaria. Se encontraron rastros en un área extensa. El objeto en sí se alargaba como un barco con techo y un dosel doble. Salió hacia el norte. (186,187)

              14 de abril de 1897 Gas City (Indiana). Un objeto aterrizó 2 km al sur de Gas City en la propiedad de John Roush, aterrorizando a los granjeros y provocando una estampida de caballos y ganado. Salieron seis ocupantes del barco y parecían hacer algunas reparaciones. Antes de que la multitud pudiera acercarse al objeto, se elevó rápidamente y voló hacia el este. (188)

              15 de abril de 1897 Linn Grove (Iowa). Se vio un gran objeto que volaba lentamente hacia el norte. Parecía listo para aterrizar y cinco hombres (F. G. Ellis, James Evans, David Evans, Joe Croaskey, Benjamin Buland) se dirigieron hacia él. Aproximadamente 7 km al norte de Linn Grove, encontraron la nave en el suelo, se acercaron a 700 m de ella, pero & # 8220 extendió sus cuatro alas gigantes y se elevó hacia el norte. & # 8221 Dos extrañas figuras a bordo de la nave hicieron esfuerzos para estafar. - se curan a sí mismos. Los testigos se sorprendieron por la longitud de su cabello. La mayoría de los residentes de Linn Grove vieron la nave en vuelo. (190)

              15 de abril de 1897 Howard-Artesian (Dakota del Sur). Un objeto volador que se acercaba cada vez más al suelo seguía a un tren, según informó el ingeniero Joe Wright (FSR 66,4)

              15 de abril de 1897 Perry Springs (Missouri). Un tren de pasajeros en la línea Wabash, que se dirigía hacia Quincy, fue seguido por un objeto que volaba bajo durante 15 minutos entre Perry Springs y Hersman. Todos los pasajeros vieron la nave, que tenía una luz roja y blanca. Después de Hersman, voló por delante del tren y desapareció rápidamente, aunque el tren corría a 65 km / h. (190)

              16 de abril de 1897 Downs Township (Illinois). Fecha aproximada. Mientras trabajaba en su campo, Haney Savidge vio una nave aérea aterrizar cerca de él. Seis personas salieron de él y hablaron con él durante unos minutos antes de irse de nuevo. (191)

              17 de abril de 1897 Williamston (Michigan). Al menos una docena de agricultores vieron un objeto maniobrar en el cielo durante una hora antes de aterrizar. Un extraño hombre de cerca de 3 m de altura, casi desnudo y que sufría el calor, era el piloto de la nave. & # 8220Su charla, aunque musical, parecía ser una repetición de bramidos. & # 8221 Un granjero se acercó a él y recibió un golpe que le rompió la cadera. (196)

              19 de abril de 1897 Leroy (Kansas). Alexander Hamilton fue despertado por un ruido entre el ganado y salió con su hijo y su inquilino. Vieron un objeto alargado con forma de cigarro, de unos 100 m de largo con una cabina transparente debajo que mostraba estrechas bandas rojizas, flotando a 10 m sobre el suelo. Se acercaron a 50 m de ella. Estaba iluminado y equipado con un reflector. En su interior había & # 8220seis de los seres más extraños & # 8221 que había visto el testigo, también descrito como & # 8220- oculto. & # 8221 Hablaban un idioma que ningún testigo podía entender. Una vaca fue arrastrada por el objeto con la ayuda de un cable rojo fuerte y fue encontrada descuartizada en un campo al día siguiente. (Anatomía 16 Ma- gonia)

              22 de abril de 1897 Rockland (Texas). John M. Barclay quedó intrigado cuando su perro ladró furiosamente y se escuchó un ruido agudo. Salió, vio un objeto volador dando vueltas a 5 m sobre el suelo. Alargado con protuberancias y luces cegadoras, se oscureció cuando aterrizó. Barclay se encontró con un hombre que le dijo que su propósito era pacífico y solicitó algunos elementos de hardware comunes para reparar la nave. Pagó con un billete de diez dólares y despegó & # 8220 como una bala de un arma. & # 8221 (192 Magonia)

              22 de abril de 1897 Josserand (Texas). Frank Nichols, que vivía a 3 km 2400 al este de Josserand y era uno de sus ciudadanos más respetados, fue despertado por el ruido de una máquina. Mirando hacia afuera, vio un objeto pesado e iluminado aterrizar en su campo de trigo. Caminó hacia él, fue detenido por dos hombres que pidieron permiso para sacar agua de su pozo. Luego tuvo una discusión con media docena de hombres, la tripulación de la extraña máquina. Le dijeron cómo funcionaba, pero no pudo seguir la explicación. (193 Magonia)

              23 de abril de 1897 McKinney Bayou (Arkansas). El juez Lawrence A. Byrne de Texarkana, Arkansas, estaba inspeccionando un terreno cuando vio un objeto peculiar anclado en el suelo. & # 8220Era tripulado por tres hombres que hablaban un idioma extranjero, pero a juzgar por su apariencia, uno los consideraría japoneses. & # 8221 (Farish, en Allende Letters (Premio especial, 1968))

              25 de abril de 1897 Merkel (Texas). Las personas que regresaban de la iglesia observaron un objeto pesado que era arrastrado por el suelo con una cuerda atada a una nave voladora. La cuerda quedó atrapada en una vía de ferrocarril. La nave era demasiado alta para que su estructura fuera visible, pero se podían distinguir protuberancias y una luz. Después de unos 10 minutos, un hombre bajó a lo largo de la cuerda, cortó el extremo y regresó a bordo de la nave, que se alejó volando hacia el noreste. El hombre era pequeño y vestía un uniforme celeste. (194 Magonia)

              26 de abril de 1897 Aquila-Hillsboro (Texas). Fecha aproximada. Un abogado se sorprendió al ver volar un objeto iluminado. Su caballo era sagrado y casi derriba el carruaje. Cuando se apagó la luz principal, varias luces más pequeñas se hicieron visibles en la parte inferior del objeto oscuro, que sostenía un dosel alargado. Bajó hacia una colina al sur, a 5 km de Aquila. Cuando el testigo regresaba una hora más tarde, vio que el objeto se elevaba. Alcanzó la altura del techo de nubes y voló hacia el noreste a una velocidad fantástica con destellos periódicos de luz.

              1909: El dirigible zumba en la playa de Nueva Zelanda.Nueva Zelanda fue visitada repetidamente por ovnis, entonces conocida como & # 8220airships & # 8221 en 1909. El sábado por la noche (24 de julio de 1909), media docena de niños jugaban en la playa de Kaka Point cerca del Sr. Bates (residencia) y vieron un enorme objeto iluminado que se mueve en el aire.

              Parecía como si fuera a posarse en Kaka Point. La luz se reflejaba claramente en el techo de la cabaña del Sr. Fitzgerald. Los chicos pensaron que estaba siendo atraído por su linterna y la dejaron en la playa. La aeronave luego se deslizó alrededor de las rocas en la antigua estación piloto y casi entró en contacto con ellas. Poco después desapareció. Los chicos dijeron que era tan grande como una casa.

              El domingo por la noche (25 de julio de 1909), el misterioso objeto volvió a aparecer en la playa y fue visto por el Sr. George Smith y el Sr. Poulter alrededor de las 8:30. El Sr. Smith lo vio a través de un cristal nocturno muy poderoso. Aparentemente, estaba sobre la casa del Sr. Aitkenhead cuando lo vio por primera vez, pero se deslizó alto en el aire y navegó hacia el norte en dirección a Kaitangata, descendiendo hacia el oeste y el este y finalmente desapareciendo en el horizonte.

              Alrededor de las 10:30, el Sr. Poulter llamó al Sr. Smith para que viera la aeronave que había hecho su aparición nuevamente. Esta vez se dirigió al mar y finalmente desapareció. Como se ve a través del cristal, el Sr. Smith dijo que parecía ser una superestructura oscura de buen tamaño con un faro potente y dos más pequeños (luces) a los lados.

              1954: OVNI visita la IndiaUno de los avistamientos de ovnis más extraños en India ocurrió el 15 de septiembre de 1954 en Manbhum, en el estado de Bihar. Ijapada Chatterjee estaba trabajando en su oficina en la mina de mica en las afueras de Manbhum ese día (era el gerente) cuando escuchó a los mineros gritar. Corriendo al aire libre, Chatterjee observó un objeto en forma de platillo descender a una altitud de unos 500 pies. El OVNI flotó, luego se elevó hacia arriba a una velocidad tremenda, causando una tremenda ráfaga de viento. El objeto fue visto sobre una mina que ha suministrado berilio para la Comisión de Energía Atómica de EE. UU. & # 8221

              Los astrónomos y científicos han visto ovnis & # 8217sDe las revistas MUFON

              Brian Zeiler informa que más astrónomos de los que generalmente se cree han visto ovnis. La lista se compila en una compilación de 1964 de datos de NICAP, un grupo ovni civil con doctorados en su mayoría en la junta directiva. Grupo muy científico, pragmático, académico.

              El 10 de julio de 1947, un astrónomo destacado vio un objeto elíptico que flotaba, se tambaleaba y ascendía de repente.

              Agosto de 1949, Clyde W. Tombaugh, astrónomo vio un patrón circular de luces rectangulares, manteniendo un intervalo fijo.

              Verano de 1948, Carl Mitchell, físico vio tres discos verdosos luminiscentes separados por un segundo, cruzar el cielo de N a S. El 20 de marzo de 1950, Seymour L. Hess, meteorología y astronomía vieron un disco o esfera en aparente & # 8220 potenciado & # Vuelo 8221.

              El 3 de agosto de 1951, Walter Webb, un astrónomo vio una luz brillante que se movía en una trayectoria ondulada.

              En 1952, W. Gordon Graham, astrónomo vio un OVNI como un anillo de humo, de forma elíptica y con dos puntos de luz brillantes a lo largo de su eje principal que se movían por encima de su cabeza de oeste a este.

              El 5 de agosto de 1952, James Bartlett, astrónomo, vio durante la observación diurna de Venus un vuelo de dos discos con un diámetro de aproximadamente 30 minutos de arco que pasaba por encima y giraba hacia el este. Luego, dos discos más con protuberancias en forma de cúpula en el centro.

              El 11 de junio de 1954, H. Percy Wilkins, un astrónomo vio dos objetos plateados & # 8220 como placas de metal pulido & # 8221 moviéndose contra el viento. Un tercer óvalo grisáceo trazó un arco a través del cielo.

              El 25 de noviembre de 1954, Marcos Guerci, meteorólogo vio dos objetos luminosos observados desde el aeropuerto uno aparentemente semicircular, otro circular.

              7/12/54 R. H. Kleyweg, meteorólogo. Disco hemisférico rastreado a través del teodolito.

              1/11/55 Frank Halstead, astrónomo. Un objeto con forma de cigarro seguido de un disco abovedado.

              18/6/57 Henry Carlock, físico. Observando el cielo con el telescopio vislumbró dos veces un OVNI con un halo a su alrededor y & # 8220 lo que parecían ser tres ojos de buey. & # 8221

              10/11/57 Jacques Chapuis, astrónomo del Observatorio de Toulouse, vio un objeto parecido a una estrella amarilla maniobrando durante 5 minutos. El OVNI finalmente ascendió hasta perderse de vista.

              22/05/60, personal del Observatorio Mallorca. OVNI triangular de aproximadamente 1/4 del tamaño aparente de la luna avistado a las 9:33 a.m., girando sobre su eje mientras se encuentra en curso constante.

              16/03/61 R. J. Villela, un meteorólogo en la Antártida vio un objeto parecido a una bola de fuego en vuelo a baja altura.

              20/05/62 C. A. Maney, un físico con otras seis personas vio una luz de maniobra, virar bruscamente y hacer cambios repentinos de velocidad. Estos informes cubren solo 1964, por lo que esto debería aniquilar el mito de que los astrónomos y científicos no ven ovnis.


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